Esprits Critiques

Pépite - Renaissance (EP)

2018-01-22T07:50:51Z

Il y a évidemment tout ce qu'on écoute avec délectation depuis des années, mais la chanson française est généralement chiche en nouveautés excitantes. Avec des groupes comme Volin, il y a cependant matière à s'enthousiasmer et on avait identifié Pépite comme une belle promesse. Ce qu'on apprécie aussi chez un artiste, c'est une personnalité bien affirmée, un style reconnaissable décliné sur des morceaux forts.

Le style de Pépite n'a pas changé même si on distingue déjà quelques éléments de différence par rapport au premier EP de quatre titres qui nous évoquait Christophe qui reprendrait du Beach House. Le format EP est d'ailleurs une bonne chose pour proposer un style mais il faut à chaque fois une acclimatation (pour qu'on arrête de penser à Jean-Louis Aubert pour la voix par exemple), et à chaque fois on finit par replonger.

Les guitares sont toujours bourdonnantes ou éthérées mais le curseur a été ici déplacé vers un son plus années '80 et l'impression d'entendre un slow de l'été vintage (La Vie Douce) vient effleurer l'auditeur. Dans ce contexte, on préfère quand un peu de groove vient secouer l'ensemble sur Renaissance ou Sensations.

Moins languide et plus pop dans l'acception d'une musique plus fondante, ce second EP de Pépite maintient la personnalité même si la langueur du premier exercice est remplacée par un virage vers le slow crapuleux qui nous rapproche plus du plaisir coupable. Mais le plaisir est toujours bel et bien là .

Novo Amor & Ed Tullett - Heiress

2018-01-18T11:20:41Z

Si j'avoue n'avoir jamais entendu parler du Gallois Novo Amor, le nom d'Ed Tullett évoque déjà de bien bonnes choses. Avant d'être aux manettes du premier EP du prometteur d'Olivier Spalding, il nous avait déjà gratifiés d'un Fiancé de premier ordre.

Evidemment, la voix et la délicatesse nous amènent à parler de Bon Iver. Mais comme ce dernier après le désormais classique For Emma, Forever Ago, ils sont allés ailleurs, plus haut. Le folk de base de l'Américain a en effet pris un virage, entraînant dans sa musique presque pastorale plein d'éléments nouveaux. On vous a déjà longuement raconté ça. Sur le premier album d'Ed Tullett, on distinguait aussi une incorporation réussie d'éléments électroniques qu'on ne retrouve pas nécessairement ici.

A la place, on retrouve de l'amplitude sur Silvery. Il y a des guitares et des cuivres, ce qui peut aussi leur conférer un petit air de Sigur Ros. Avouez qu'il y a des rapprochements plus infà¢mants Ce sont évidemment ces moments-là qui sont le plus gratifiants, comme la poussée de Terraform, la décharge d'électricité à la fin de Cavalry.

Il leur faut cependant peu de chose sur Euphor, leurs deux voix et un petit clavier suffisent sur beaucoup de moments du morceau qui il est vrai peut compter sur une mélodie qui fait mouche. C'est aussi la recette du délicat Dancer.

Sur Anatome, on a même l'impression que c'est ce qu'on aurait entendu sur le second album de Bon Iver se le virage avait été moins prononcé. On est donc en terrain connu mais aussi et surtout sur un terrain qu'on aime arpenter. Moins formellement aventureux que ce que fait Ed Tullett seul, cet album fait montre d'une ampleur réjouissante. Vous avez compris que ceci est un indispensable compagnon de votre hiver.

Morrissey - Low In High School

2018-01-15T12:34:53Z

Attention, les résultats du passé ne garantissent pas les performances futures.

Cet avertissement obligatoire qui clôture les publicités radio pour les investissements résonne avec acuité quand les hasards du calendrier mettent sur le marché une mise à jour de The Queen Is Dead et du dernier album solo de Morrissey. Ecouter le premier le confirme à chaque fois comme un album imparable, à la lisière de la perfection et donne un éclairage moins reluisant sur son lointain descendant. Ce qui est un peu dommage parce qu'après moultes écoutes, ce Low In High School ravira les fans du Moz, lesquels seront sans doute les seuls à s'y pencher.

My Love I'd Do Anything For You entame en tous cas bien les hostilités, avec une belle dose d'allant. Il garde évidemment tout son désespoir sous-jacent sur Jacky's Only Happy When She's Up On the Stage. Quand le fond est un peu désespéré, il est toujours préférable de montrer une bonne motivation. Il essaie même des trucs musicalement même si la mélodie et le chant restent les mêmes sur le plus enlevé Bury The Living). On connaissait le bien chouette Spent The Day In Bed qui apporte ici une dose de légèreté. Au rayon des choses qui plaisent vraiment, on signale Home Is A Question Mark en belle chose languide et la bonne idée d'utiliser le piano comme instrument de base sur In Your Lap.

Il a évidemment toujours une grande voix, on ne le rappelle peut-être pas assez, ce qui nous assure des mélodies que lui seul peut assumer (When You Open Your Legs). Cela dit, on est toujours un peu troublés par l'aspect direct de certaines assertions d'I Bury The Living (Give me an order !/I'll blow up a border/Give me an order/And I'll blow up your daughter) qu'il ne faut sans doute pas prendre au pied de la lettre au contraire du plus positif All the Young People Must Fall in Love.

Parce qu'il a un côté pile. Et la contrepartie à ses fulgurances tranchées est une série de prises de position qui ne suscitent même plus l'indignation, mais une lassitude résignée. En matière de politique ou de société, on fait tous semblant qu'il plaisante ou que son humour est corrosif, on tourne la tête pour ne pas le traiter de vieux con. Bon, on s'est habitué à cet état de fait mais par exemple parler des ennemis d'Israël en disant que ce sont juste des jaloux, c'est un peu court pour rendre compte du drame et de la complexité infinie de la situation là -bas.

Donc cet album a ses forces et ses faiblesses mais se place en ordre utile dans la longue série des albums solo de Morrissey. Pas dénué de ses tics et toujours discutable dans le fond, il a suffisamment d'élan pour mettre en valeur ses grandes qualités de vocalistes et ses surgissements. Une bonne cuvée pour lui de toute façon, une porte d'entrée éventuelle pour ceux qui ne connaîtraient pas, lesquels doivent de toute façon plonger sur The Queen Is Dead, chef-d'œuvre qu'on ne doit pas forcément adorer mais qu'il serait dommage d'ignorer.

Séance de Rattrapage #63 - The Rural Alberta Advantage, Oliver Spalding, Utro

2018-01-09T12:42:16Z

The Rural Alberta Advantage - The Wild

Voix éraillée qui s'époumone, batterie très poussée en avant, The Rural Alberta Advantage est plus que ça, bien entendu, mais on les distingue comme ça aussi. Et les choses partent très vite, comme sur tous leurs albumsdu reste. Beacon Hill est tout ce qu'on aime chez eux, la raison de notre retour systématique.

On retrouve donc tout cet allant, cette force de persuasion, cette énergie. Qui peut aussi se teinter de mélancolie et faire mouche sur Toughen Up. Dead/Alive quant à lui nous rappelle qu'on a aimé les Levellers, il y a longtemps. Même quand le tempo se ralentit, l'intensité ne faiblit pas (Alright) et sert aussi à relancer le morceau (Letting Go)

Ce n'est donc pas un album abordé intégralement avec le doigt dans la prise mais avec un cœur gros comme ça. Autant d'allant peut aussi fatiguer un peu mais quand c'est le seul point faible qu'on discerne sur un album, on ne peut que s'en féliciter. Le forcément sympathique groupe canadien se rappelle à notre bon souvenir et on se rappelle album après album pourquoi ils nous sont si chers.

The Wild by The Rural Alberta Advantage

Oliver Spalding - Unfurl

La jeunesse n'est pas un argument recevable si elle n'est pas accompagnée d'un talent précoce. Et puis il est plutôt réjouissant de penser que l'Anglais n'a que 21 ans tant ces quatre titres font plus que promettre.

Cet EP est produit par un certain Ed Tullett (23 ans) dont on vous avait déjà dit du bien. Assez logiquement, on retrouve certaines des qualités de Fiancée et du très beau Heiress qu'il a signé avec Novo Amor (on en reparle très bientôt). Notamment la délicatesse de la voix et la légèreté des arrangements. Ne soyez donc pas surpris d'y retrouver quelques traces de James Blake, du Bon Iver récent aussi. C'est donc une voix haut perchée, délicate sur un lit d'arrangements électroniques, ce qui fait le sel de tout ce qu'on a cité jusqu'ici.

Il y a de plus une vraie progression sur cet album, avec un Unfurl qui explose pas mal. S'il est très référencé pour le moment, on a sans doute aucun affaire à un très grand talent. Déjà bien épaulé par Ed Tullett (troisième belle chose à son compteur personnel), il nous réserve sans doute de belles choses mais pour le moment, on usera ces quatre titres.

Utro - Third Album

La découverte d'Utro a fait ressurgir bien des souvenirs du passé. Depuis, on a découvert la formation â€˜de base' Motorama et bien aimé ça. L'emploi de la langue russe est évidemment un marqueur fort pour Utro mais les différences avec Motorama ne s'arrêtent pas là , ce qu'on entend ici est plus sombre, métronomique et brut. Plus intransigeant quoi.

Dans cette musique, la basse occupe logiquement les avant-postes. Elle rebondit sur Forgive, est toujours bien présente sur Such Eyes mais inspire plus de crainte que d'envie de dancefloor et rebondit aussi sur Tsar. I'm Flying (ÐœÐ½Ðµ Ð¡Ð½Ð¸Ð »Ð¾Ñ ÑŒ, Ð§Ñ‚Ð¾ Ð¯ Ð¡Ð¿Ð°Ð » pour les pointilleux russophones de mon aimable lectorat) est tendu, pas loin du krautrock, même s'ils abrègent volontairement les potentiels chorus. L'effet de ce post-punk sous tension peut aussi être hypnotique.

Au final, les univers de Motorama et Utro sont à la fois proches et complémentaires. Ce troisième album confirme leur volonté de ne pas édulcorer le propos, de livrer tels quels des morceaux qui ne nécessitent nullement une autre approche moins brute.

Jean-Louis Murat - Travaux sur la N89

2017-12-22T08:32:28Z

â€˜On dit que l'art est expérimental quand l'expérimentation a raté'. C'est une citation qu'on dégaine souvent parce que sa pertinence se révèle souvent utile. Et elle vient à point pour le dernier album de Jean-Louis Murat. Avec 12 albums critiqués, on ne peut pas dire qu'on le découvre pourtant il a très clairement visé la surprise avec cet album étrangement intitulé Travaux sur la N89. On l'a déjà connu aventureux, soit dans des projets à priori surprenants (on a oublié ce Madame Deshoulières avec Isabelle Huppert) ou dans des relectures live s'éloignant sensiblement de son camp de base (Murangostang).

Ajoutons aussi que ces colonnes relatent souvent des album pas franchement accessibles ou mainstream et que dans un passé très récent, on a pris du plaisir à retrouver les circonvolutions de Bjà¶rk ou St Vincent. Vous l'aurez compris à cette longue mise en place précautionneuse, on ne veut pas avoir l'avis lapidaire de celui qu'on a bousculé dans ses habitudes. Parce qu'il faut dire que les derniers albums de l'Auvergnat se suivaient avec un certain bonheur sans vraiment surprendre. On l'a souvent retrouvé dans une posture de Neil Young hexagonal, très libre et le loner canadien a aussi tenté quelques échappées.

Cependant, si on salue cette démarche fondamentalement libre, on a de la peine à s'enflammer sur le résultat. Ce n'est donc pas qu'on s'offusque, c'est qu'on s'ennuie un peu. Comme il n'a pas la fantaisie de, disons, Kevin Barnes, on reste sur sa faim. Surtout que ce dernier n'est jamais aussi bon que quand il resserre les vis de ses albums d'Of Montreal. De plus, ses textes pas toujours clairs et sa diction rentrée s'accommodent bien de ses talents de musiciens et d'un certain classicisme mais se retrouvent ici dans un contexte plus déstructuré et ajoutent une couche d'imperméabilisant sur ce textile déjà bien étanche à l'émotion.

Dans ce contexte cependant, on ne peut que saluer le retour de Morgane Imbeaud (Cocoon) qui apporte une vraie touche d'humanité, notamment à Cordes. Rien n'irrite ici, précisons-le, et on dénote son lot de surgissements, un Garçon qui part bien, une belle dose d'allant sur Alamo, la sensation de totale apesanteur de la plage titulaire. Mais certains arrangements électroniques ou la grosse guitare sur O Sole Mio dénotent plus d'envie que de cohérence.

Cet album ludique est aussi imperméable à l'émotion, ce qui est un risque de l'expérimentation. De plus, sortir de sa zone de confort implique ici de sortir de sa zone de compétence. En gros, on applaudit autant la démarche qu'on déplore le résultat. Mais on sait qu'il y aura encore beaucoup d'albums, accessibles ou pas, qu'on suivra de toute façon avant sans doute d'oublier cette étrange et pas passionnante cuvée 2017.

Pierre Lapointe - La Science du Coeur

2017-12-20T11:52:20Z

Impossible de savoir comment on a pu perdre Pierre Lapointe de vue. On ne peut pas dire que La Forêt Des Mal-aimés nous ait laissé un souvenir tiède pourtant on n'a pas su le suivre sur les pourtant formidables Les Sentiments Humains ou Punkt (il est vrai pas distribués et vendus facilement en nos contrées). Il aura fallu quelques live enregistrés, des prestations live seul au piano et impeccables pour raccrocher le train. Très populaire au Canada, notamment parce qu'il est un inamovible coach de La Voix (on ne dit pas â€˜The Voice' dans ce genre de contrée), il reste mystérieusement sous-estimé de ce côté-ci de l'Atlantique. Cet album s'est classé premier dans les ventes canadiennes alors qu'il atteignait ici une bien maigre 189ème placeâ€¦

On l'a dit, il a beaucoup tourné seul au piano depuis sa dernière livraison studio et si on devine que cet instrument reste l'outil de composition, il y a beaucoup de cordes, tout plein et partout, à des usages bien différents. Sur le premier morceau qu'il n'est pas exagéré de considérer comme sublime, elles tiennent seules les avant-postes, avec cet art typiquement canadien (l'arrangeur David François Moreau est pourtant français) de ne prendre que des cordes et presque rien d'autre. Cette longue progression prend littéralement à la gorge dès la première écoute et confirme dans toutes les suivantes.

Par ailleurs, ces atours peuvent être classiques au point même d'en devenir vieillots. Le Retour D'un Amour est un peu plus plaintif, Comme Un Soleil ou Une Lettre semblent un rien surannés, à la lisière de la comédie musicale (non, ce n'est jamais un compliment en nos colonnes). Mais ces moments-là restent de toute façon bien minoritaires et on y décèle toujours une de ses énormes forces, un sens mélodique jamais pris en défaut. Mais on se dit qu'on lui préfère parfois la sobriété qui sublime ses prestations live et permet à ses textes justes et sensibles de se révéler. A l'opposé, on sait que ces mélodies-là et ses paroles fortes peuvent aussi lui permettre plus d'audace formelle, ce qu'il avait tenté et réussi sur ses deux albums précédents.

Les cordes donc sont encore bien présentes et se font discoà¯des sur Alphabet qui fort heureusement n'y ajoute qu'une pulsation. Non, ce n'est pas un morceau pour dancefloor en l'état, ce long name-dropping culturel apparaissant comme une curiosité maitrisée. Mais outre le premier morceau, il reste de bien belles choses sur ce court album. Qu'il Est Honteux d'Etre Humain enfonce le clou avant que Sais-Tu Vraiment Qui Tu Es ? ne vienne bien clôturer un brillant trio de début d'album. On apprécie aussi le piano intense de Naoshima et Zopiclone qui rappellera des choses aux consommateurs d'Imovane.

Il faut beaucoup de talent pour marquer dans un style aussi balisé que la chanson française â€˜classique'. Si on a connu et apprécié un Pierre Lapointe plus aventureux, cet album cohérent et un rien inégal nous fait plaisir parce qu'il nous apporte de nouveaux morceaux à ajouter à ce qu'on préfère dans notre langue.

Destroyer - Ken

2017-12-15T09:38:21Z

On ne va pas se mentir, si l'univers de Destroyer intrigue tout de suite, il est tout-à -fait possible qu'une période d'acclimatation soit nécessaire pour en discerner tous les charmes. Et même une fois la porte passée, elle peut se refermer derrière vous. Ce n'est pas le moindre des charmes de l'artiste de Vancouver. Dans notre cas, ce fut le plus â€˜rock classique' Trouble In Dreams qui nous a rapprochés et convaincus. Et puis alors que Kaputt nous avait laissé plutôt froids, son successeur fut tout simplement l'album préféré de 2015. Ce n'est qu'une constatation, mais qui met en lumière l'énorme part de subjectivité qui prévaut quand on se targue de commenter des albums.

Ce Ken ne renoue pas vraiment pas avec la veine années '80 de Kaputt mais garde quelques marqueurs de l'époque. Pas de saxophone cette fois-ci mais les synthétiseurs font un retour remarqué et leur sons sont volontairement connotés, choix assumé mais pouvant aussi étonner, sachez-le. On pense notamment aux sons de The Cure période Disintegration sur In The Morning. Lequel se profile sans doute comme le meilleur morceau de l'album parce qu'il garde une densité assez prenante avec un son de batterie assez sec.

On reste un peu intimidé par l'aspect impénétrable des textes comme toujours, ses images osées, son sens de la formule et de la répétition. I was a dreamer/Watch me leave répète-il sur Tinseltown Swimming In Blood, grand morceau aussi, parce qu'on y sent une profondeur. Mais le charme est aussi ailleurs. C'est très manifeste sur scène, mais ses musiciens sont tous très très doués. On le discerne ici quand tout se fait plus dense, Quand un solo de guitare se matérialise dans La Règle Du Jeu par exemple.

On peut ainsi distinguer un sens de la mélodie que le ton de sa voix n'atténue même pas, pouvant passer du tragique à l'enjoué (Cover From The Sun). Album après album, on le sent mieux à même de moduler l'intensité de ce qu'il raconte en fonction de ce qu'il raconte, en faisant un interprète un peu étrange, certes mais indéniablement efficace et concerné.

On le voit, il y a beaucoup de choses à aimer sur ce Ken. Et comme on a mis un peu de temps à formuler un avis, les écoutes se sont empilées et se sont révélées bien gratifiantes. Moins uniformément brillant que Poison Season, il n'en montre pas moins à quel point Dan Bejar est un artiste précieux, capable d'accommoder son style très marqué avec bien des genres sans se dénaturer.

Valparaiso - Broken Homeland

2017-12-11T11:59:09Z

Les albums collaboratifs ne sont pas toujours les plus excitants à critiquer. Parce que les différents intervenants peuvent amener les morceaux dans des directions trop différentes pour que l'album puisse garder sa cohérence. De plus, la fastidieuse critique track-par-track est souvent de rigueur mais il y a des exceptions aussi, une des plus éclatantes réussites du genre était celui des Fitzcarraldo Sessions il y a 8 ans. Ils remettent donc le couvert ici sous le nom de Valparaiso. Sur le papier, il y a moins de noms très connus mais la qualité est bel et bien là .

Ceux qui restent du premier casting sont Rosemary Standley (de Moriarty), toujours très à l'aise dans cet americana sombre et intense. Et puis on se souvient encore avec moult frissons du sublime L'Instable de Dominique A, sans doute un de ses meilleurs morceaux (le meilleur ?) qui trouve ici un successeur qui certes ne renoue pas avec ces altitudes inatteignables mais fait vraiment le boulot, prouvant que Dominique maintient un niveau hallucinant depuis maintenant une dizaine d'années.

On commence de façon assez forte par un Rising Tides sublimé par Phoebe Killdeer et Howe Gelb (des formidables Giant Sand et qu'on entend aussi sur le très beau The Allure of Della Rae) et un groupe qui sait établir et maintenir une intensité avec des cordes soyeuses. On sait déjà à ce moment-là qu'on ne regrettera pas le voyage. Sans doute aussi faut-il y voir le pendant du Marées Hautes (de Dominique A) qui boucle l'album. Au rayon francophone, signalons aussi Julia Lanoë (Sexy Sushi, Mansfield. TYA) pour Le Septième Jour et c'est sans doute le seul moment qu'on oubliera volontiers

On retiendra par contre Phoebe Kildeer seule sur Wild Birds, morceau qui commence un peu calmement avant de prendre de la hauteur et s'y maintenir. Sur tous les morceaux il y a cette densité, cette effervescence sous-jacente mais elle est presque systématiquement plus présente dans la seconde partie des morceaux, qui présentent un chorus intense qui vient souvent rehausser le morceau et même occasionnellement le sauver grà¢ce à cette conjonction unique d'une guitare mélancolique et de cordes soyeuses. On avait aimé ça chez Fitzcarraldo Sessions et on le retrouve avec plaisir ici. Pour des morceaux parfois moins marquants à la base mais qui finissent toujours par emporter l'adhésion.

Un peu systématique peut-être mais comme c'est toujours réussi, on se voit mal bouder on plaisir. On retrouve aussi notre compatriote Marc Huygens (Venus, Joy) qui s'insère facilement dans ce casting toujours international. Dear Darkness attend quant à lui un peu avant que l'intensité ne vienne et frappe fort et juste.

Pas trop étonnant dans l'absolu d'entendre Josh Haden mais c'est la première fois que son timbre particulier n'est pas associé à la musique de Spain et on se rend compte à quel point elle est importante dans le son de la formation américaine. C'est Shannon Wright qu'on entend sur The River et elle ne dépare évidemment pas l'ensemble.

Ils se lancent même dans un instrumental qui n'est pas très loin de ce qu'on entend chez des formations comme Calexico (dont le leader Joy Burns a participé à l'expérience précédente) avec qui ils partagent cette capacité à prendre le genre par la bande

On reste donc entre gens bien pour le projet né des cendres du groupe français Jack The Ripper qui sait s'entourer et faire monter des morceaux.

Broken Homeland by Valparaiso

Séance de rattrapage #62 - Korto, R.Missing, Soft People

2017-12-08T10:56:19Z

Korto - Korto

Ce n'est pas qu'une question d'analyse combinatoire, mais les mélanges tentés ces trente dernières années ne semblent même pas s'essouffler. Le trio français Korto nous propose ainsi un chouette mélange entre vocaux très éthérés et une rythmique aux aguets.

La pulsation clairement kraut dès Hot Rock. Et c'est une excellente nouvelle, la conjonction marche en plein. La dream-pop a en effet parfois tendance à s'engourdir et ça ne peut absolument pas être le cas ici.

Dans certains cas, on confine à une certaine forme de psychédélisme, y compris dans les longues plages instrumentales (A40). Il y a aussi occasionnellement une vraie légèreté dans la composition. Track 2 pourrait être un morceau psychédélique sixties mais la grosse basse en avant en fait quelque chose de plus percutant et moderne. A l'opposé, certains passages instrumentaux proposent une vraie poussée (Fresque).

Passage en force d'une musique rêveuse, tentative réussie d'hybridation entre l'éthéré et le solide, ce que réalise Korto dépasse la simple curiosité parce que l'aplomb avec lequel ils abordent ce croisement de style tient tout au long de cet album.

Korto by Korto

R. Missing - Unsummering

New-York est le terreau d'une musique sombre et brutale (Suicide, ce genre) mais une fois filtrée par les années '80 et le retour d'une new-wave synthétique, elle revient au bercail, notamment via cette mystérieuse formation R. Missing dont on ne sait finalement pas grand'chose. Mais ce n'est pas trop important. Ce que Toppy et la chanteuse Sharon Shy nous livrent est assez facile à appréhender.

Cet EP repose en partie sur une belle voix féminine profonde, sur la langueur qu'elle peut provoquer plutôt que des rythmes robotiques. La musique reste à dominante cold mais sait se faire enveloppante. Les synthés sont en nappes, le son plutôt ample, supportant des structures plus denses (Mostly Back, Mouser) ou plus languides (Birthright). On se remémore notamment les grandes heures de Ladytron, surtout quand l'entrain est supérieur. Leur single Kelly Was A Phillistine est dans ce cas et dégage un charme vraiment intemporel qui fait de cet EP (sorti chez Talitres) un conseil facile pour ceux qui apprécient le genre.

Soft People - American Men

Ce n'est pas dans les habitudes de la maison de citer la documentation de presse, mais le duo américain revendique du â€˜Midlake des débuts ayant un enfant avec Broadcast et Clinic et Deerhoof et Boards of Canada'. On n'est pas bien avancés sinon pour dire que c'est un curieux mélange présenté avec une belle verve.

American Man m'a un peu fait penser à Here Comes Your Man des Pixies, ce qui n'est vraiment pas la référence la plus souvent usitée en ces colonnes. Ceci dit, ils en ont la coolitude et c'est fort bien comme ça. On parle donc de rock alternatif bien détendu, avec Une pulsation et beaucoup de rythme d'emblée (16 Years of Somewhere Else), souvent sautillant, solide dans le rythme et faussement branque. Le tout dans un emballage presque pop (Golden Age of Television) ou plus apaisé (Man With A Gun).

Il y a des plages plus délirantes, très triturées (Baby) qui pourront rappeler les exercices d'Atlas Sounds. En tant que musique de frontières, d'ailleurs, on peut donc rapprocher ceci de la démarche d'un Bradford Cox (Atlas Sounds donc, mais aussi Deerhunter), avec plus de fantaisie encore (et un rien moins de génie peut-être) et le même goà »t pour une musique â€˜aquatique' très prisée il y a quelques années. Les plus anciens songeront aussi à Soul Coughing et tous s'accorderont pour dire que cette variété et bien vivifiante.

American Men by Soft People

Séance de rattrapage #61 - Barnill Brothers, Rocky Wood, Wyatt E.

2017-12-06T12:21:01Z

Barnill Brothers - Parallels Lives

Pas d'hybridation compliquée chez les Bruxellois de Barnill Brothers, on aborde frontalement un folk-pop bien assumé. Donc pour que ça marche, il faut des mélodies et on les trouve ici, pas de problème. Oui, il y a même de l'harmonica sur All The Way Back Home qui est bien efficacement relevé de cordes. Dans nos compatriotes, on pensera surtout à Dan San première période, quand l'ampleur supérieure n'était pas encore là . Les voix sont en place, assez belles et l'accent est crédible, ce qui est un plus.

The Favorite Bastard était le morceau mis en avant pour la promotion de cet EP et on comprend pourquoi, il a les qualités requises pour montrer de quoi ils sont capables mais si c'est ce qu'on y entendra de plus enjoué, certaines autres plages me semblent plus convaincantes encore. Par exemple quand le plus élégiaque Nowhere Near se pare d'une pointe d'électricité.

On avait aimé leur reprise du Show Must Go On de Queen, le type d'idée casse-gueule qu'ils avaient assumé avec sérieux et réussite. On la retrouve avec plaisir ici. Evidemment, Barnill Brothers assume son orientation folk-pop et la délicatesse qui va avec. Si c'est un genre qui vous plait, n'hésitez pas.

Rocky Wood - OK, No Wait

De la douceur et un peu de pulsation, on pense tout de suite à The XX sur le dernier EP de Rocky Wood. Ces derniers étant partis dans des voyages plus flashy, on est spécialement contents de trouver chez ce groupe helvetico-américain une déclinaison plus acoustique de ce qui nous avait tant plus chez le trio anglais. La décalque n'est évidemment pas à l'ordre du jour, les ressemblances se situant dans des voix dédoublées et mixtes donc, sons plutôt froids mais pas trop. C'est surtout sa voix à elle et les arpèges qui forcent cette comparaison.

Au final, on obtient une belle chose un rien mélancolique (White par exemple), avec un petit beat pour rendre Bail Out bien agréable et le laisser dérouler en roue libre sur des nappes de synthés. Ceux qui déplorent le virage pris par Jamie XX et ses comparses trouveront ici de quoi retrouver cette fausse froideur tellement humaine et des morceaux à hauteur d'homme qu'on peut laisser tourner à l'envi.

OK, NO WAIT by Rocky Wood

Wyatt E. - Exile to Beyn Neharot

Ne tournons pas inutilement autour du pot, ce que propose le trio liégeois Wyatt E. est du post-rock, lancinant, lourd et lent, et c'est ce qui fait sa force. Moins organique dans le son que les modèles comme Godspeed, il en fait aussi une spécificité et un moyen d'éviter toute confusion.

Les deux morceaux font ici plus de 19 minutes chacun, inutile d'ajouter qu'il y a toute la place pour installer le climat. Mais ce désert mouvant présente aussi quelques solides rochers. Lancinants, dont l'escalade est rude mais gratifiant. De brusques variations aussi, avec une distorsion en partie électronique (Nebuchadnezzar II).

Des influences orientales, ce n'est non plus nouveau si on veut se rappeler les réalisations de formations comme Esmerineou Oiseaux-Tempête. Cette inclinaison est plus manifeste dans le second morceau Ode to Ishtar. Elle n'est d'ailleurs pas là pour la couleur locale mais pour donner une coloration à une musique fort marquée par la distorsion.

De façon surprenante, cet album sorti chez Shalosh Cult est booké et managé par Jaune Orange qu'on a rarement connus aussi sombres. Mais c'est un détail pour l'amateur du genre qui trouvera deux grosses pièces qui gardent le cap d'une revigorante lourdeur teintée d'orient.

Exile to Beyn Neharot by Wyatt E.