Esprits Critiques

Institut – Changer de Paradis Tout Simplement

marc — 2026-10-09T08:14:00Z

Un peu de caricature transforme notre réalité en dystopie, c'est le constat implacable des albums d'Institut. On peut comprendre que ce décalage ne s'adresse pas à tout le monde mais en tant que membre passif de la communauté LinkedIn et recevant régulièrement des mails de boites de consultance, cette plongée dans un monde de langue de bois est vertigineuse. Une simple lecture des titres permet de voir dans quoi on met les pieds. Ou presque.

Comme les BD de Lauzier s'attaquant au monde de la pub il y a quarante ans, ils poussent le curseur assez loin. Si on avait parlé de mélancolie narquoise pour l'excellent L'Effet Waouh des Zones Côtières, on constate que le ton est plus frontal ici, un rien plus énervé dans le sous-texte.

Il y a encore plus souvent un moment de bascule. On ne voit pas vraiment venir Il a eu sa revanche sur les sports collectifs. Cette vision latérale de la carrière de Joseph Staline fait un petit peu froid dans le dos. Appliquer les codes bullshit à un parcours pareil, il fallait oser. Et ça fonctionne. Moi personnellement je suis une littéraire mélange ainsi le pertinent et le délirant, le passé et le présent et donne un peu le tournis.

Les voix chantent, certes, mais déclament surtout. Et l'utilisation d'une voix d'enfant augmente s'il est possible l'absurde du propos, qu'il évoque le #personalbranling (Une Artiste au haut potentiel) ou la littérature.

Musicalement, c'est toujours aussi solide, un rien moins mélancolique sans doute. Mais on aime toujours autant cette electro-pop soyeuse. Certes, l'effet de surprise joue moins, mais la connivence s'établit d'autant plus vite, et on reste séduits par ce point de vue unique sur un des aspects de la société les moins souvent mis en musique.

Changer de paradis, tout simplement de INSTITUT

Elias Dris – Pearl

marc — 2026-10-05T06:49:30Z

Si parfois on s'aventure volontairement en dehors de notre zone de confort parce que les découvertes sont souvent à ce prix, certains artistes savent nous mettre tout de suite à l'aise. Délicat mais pas éthéré non plus, ce troisième album d'Elias Dris a su nous accueillir. Los Angeles propose tout de suite une balade immédiate qui déploie toutes les qualités mélodiques et vocales. Parce qu'au centre de ces morceaux est cette belle voix, androgyne et qui dispense une émotion assez immédiate parce qu'elle reste sensible en oblitérant le pathos.

Court album hanté est un rien sombre, certes, mais pas étouffant non plus. Parce que les couches ne s'empilent pas, qu'une certaine sobriété fonctionne sur Killed My Fun. S'il y a des cordes sur Bitches Like Us, elles sont en support. La langueur est présente d'un bout à l'autre. California blue est articulé autour d'un arpège, certes mais ne sonne pas folk pour autant. L'écriture a la limpidité requise mais la mise en son est plus ample même sans une débauche d'instruments sur ce morceau adressé à Alela Diane.

Lana Del Rey est une autre figure tutélaire, sur plusieurs morceaux comme Precious ou Bitches Like Us. Mais ne Le son est un peu plus synthétique comme sur l'excellent bad movie et le tout ne dégage pas l'impression d'ennui de la vie de la daronne de Los Angeles. Si les références se trouvent vite sur cet album du Français de Los Angeles, elles n'empêchent jamais de profiter de ces morceaux tous convaincants. Et c'est bien pour ça qu'on s'est attachés à cet album sans défaut.

C'Mon Tigre – Lumina

marc — 2026-10-02T06:25:02Z

Quand on écoute pour la première fois un album d'une formation connue, on laisse de la place à la surprise, certes, mais on a toujours une idée de ce qu'on va entendre. Ici, on ne s'attendait clairement pas à cet Enter qui nous accueille. On a beau avoir toujours décelé chez C'Mon Tigre une dialectique entre tradition et technologie, on n'a jamais entendu les beats et les voix très distordues sur l'enlevé premier morceau Enter.

Sur cet album, les voix peuvent aussi bien passer au concasseur (The Beautiful Glitch), se faire plus exaltées (Driver Idle) ou au contraire former des mélopées très ‘world' (Nanã). On s'éloigne donc sensiblement de la formule de départ. Mais ce n'est pas aussi simple non plus. L'oud et le violon de Vanta nous ramènent à ce qu'on connaissait et attendait un peu pour en faire une sorte d'easy-listening frénétique si vous me passez l'oxymore. Ou du psyché world. On le voit, définir ce style impose une gymnastique intellectuelle. La bonne nouvelle, c'est que l'écoute de cet album un chouïa schizophrène est gratifiante et qu'on décèle une vraie unité de ton.

Evidemment, on préfère quand leur groove se vitamine donc sur Burukê ou quand Sawa claque vraiment. Les morceaux qui ont moins de tonus en sont moins passionnants, du coup mais ils peuvent garder un certain mystère sur We Were Here, Technically. Et puis ça permet de faire des étirements, c'est important aussi. Si la musique de C'Mon Tigre était un peu cérébrale, elle devient ici bien plus dansante sans se départir d'une complexité qui en fait la richesse. Et un des albums les plus revigorants du moment.

Séance de Rattrapage 155 - Bloc Party, Oöhna Call

marc — 2026-09-28T06:22:14Z

Bloc Party – Anatomy of a Brief Romance

Est-ce qu'on écoute encore un groupe pour revivre l'écho d'un album adoré il y a 21 ans ? Oui, tout à fait. Surtout que le single Love Bombs donnait plutôt envie. Il faut dire qu'il fait partie de ce qu'on entend de mieux ici parce que les sons électroniques sont moins timides. C'est aussi le cas pour Now We Can't Be Friends.

Si tout ceci est moins poussif que, disons, les quatre derniers albums de Foals, on ne peut pas dire non plus que l'adrénaline coule à flots. Certes, on distingue souvent un petit supplément d'engagement (sur Moving On par exemple) mais il y a aussi beaucoup de moments moins marquants. Ils gardent toujours leur propension à faussement planquer leurs guitares, voire à leur donner un petit ton curesque (Eulogy). Cet album centré sur le thème inépuisable des relations amoureuses s'est révélé agréable parce que l'attente n'était pas fébrile. Mais le résultat à des années-lumière de Silent Alarm va sans doute nous dispenser de leur prochain album de Bloc Party.

Oöhna Call – eKKo

Non, le post-rock n'a pas complétement déserté ces colonnes. Mais il est vrai qu'à part quelques têtes de gondoles vétéranes du genre (Mogwai, Mono), on est loin de la présence d'il y a dix ans. La formation du jour est un trio de Tours distribué par les précieux Bitume Productions mais propose des sons moins abrasifs que la plupart de leurs coreligionnaires.

Ils proposent des climats plus que des arpèges et leur album plus linéaire ne cède pas au poncif du loud-quiet-loud en vogue dans le genre. Mais il y a de l'action tout de même au détour de Trauma et puis quelques boucles et sons plus électroniques viennent relever le tout. Ils sont bien intégrés à Reminiscence et ne sont pas là pour prendre le dessus. Le résultat peut faire montre d'une belle intensité sur Gemini et rend l'écoute de leur second album bien gratifiante.

eKKo de Oöhna Call

Girls In Hawaii – Eldorado

marc — 2026-09-25T07:42:48Z

Est-ce un hasard si Girls in Hawaii revient quelques semaines après Ghinzu ? Oui, bien évidemment, ces éléments ne sont pas corrélés même s'ils sont pour nous associés parce que leurs débuts sont plus ou moins contemporains. Le groupe avait sorti son premier album dans un contexte où les groupes de la Communauté Française de Belgique ne voulaient pas rater la vague indé qui déferlait.

Mais s'ils ont su prendre cette vague, en misant sur une imperfection occasionnelle qui participait au charme, ils ont su évoluer, chercher d'autre qualités qui ont explosé sur le monumental Everest. C'est là qu'on a pris la mesure de ce que cette formation est devenue. Ils ont poursuivi cette voie, en donnant une orientation plus synthétique à Nocturne par exemple, avec un vrai bonheur.

Ce nouvel album ne reprend pas exactement les choses où ils les avaient laissées il y a 9 longues annés. Mais pas très loin non plus. Leur force dans certains de leurs meilleurs moments, c'est une pop mélancolique mais qui n'a pas peur de la grandeur non plus. It Is Happening Right Now propose exactement ça et est premier morceau déjà bien engageant sur lequel une guitare vient vrombir à intervalles réguliers. Ces moments semblent faire le lien avec leurs premières amours parfois plus nerveuses dans les sons.

On entendra aussi des murs de guitare sur la plage titulaire qui profite d'une belle densité mais ils restent surtout des maîtres de la balade douce-amère. Que ce soit Goddess, le gimmick de guitare de Drifting In The Summer Rain ou la belle mélodie de Who's To Blame ou Not Your Fault, ils arrivent à varier les moyens de faire de grands morceaux. Sans perdre de vue leur attrait pour les chemins de traverse empruntés ici par Angles.

Plus de 20 ans après leurs débuts, la trajectoire du groupe de Braine-l'Alleud (1420 represent !) ne montre pas de fléchissement. Les intervalles entre les sorties ne semblent en tous cas pas altérer leur potentiel à trousser des morceaux plus grands qu'ils ne le revendiquent. Cet excellent nouvel album auto-produit et maintenant publié par Capitane Records le confirme si besoin en était.

Eldorado de Girls in Hawaii

Bitume Profond

marc — 2026-09-21T06:56:29Z

our ses 10 ans, le label Bitume Productions a mis ses ouailles à contributions, demandant à 21 des formations de puiser dans le reste du catalogue pour une reprise bien sentie. Le résultat est forcément assez large et il faut considérer cet article moins comme une critique en bonne et due forme qu'un hommage, surtout que beaucoup de noms nous étaient inconnus.

Beaucoup mais pas tous puisqu'on a tout de même parlé de plusieurs de ces formations. On manque de repères aussi pour juger de la transformation des morceaux originaux donc on va juger l'effet d'ensemble. Mais il faut aussi avouer que c'est une balade aux confins de notre zone de confort, voire carrément au-delà à laquelle on s'attend. Mais on est vite rassurés par le ton général plus varié.

Vous aurez ainsi droit à quelques instrumentaux bien engageants (par Abstrakt Lake ou Guillaume Tiger) et Bruno Karnel ne s'époumonne pas pour reprendre She Walks Down The Rainbow. Evidemment, on ne va pas faire semblant que le chant guttural de Metal Charm ou Cruenza Vengenza est notre truc mais à doses réduites, on en profite tout de même.

Notons au passage quelques morceaux choisis comme les grosses guitares et le chant féminin de Confort qui reprend Quargo (de Casademoni) sent bon le rock alternatif des années ‘90. Ektör fait son truc et c'est toujours déroutant et réussi. Les amis hongrois de Faded Remembrance sont d'humeur nerveuse ici, c'est une des facettes de leur personnalité. On a apprécié aussi le rock presque glam de Poste 942 ou Secular Upheaval, bien carré avec une voix féminine qui envoie. L'ampleur du son de Spoon Hammer ou le spectacle espéré chez Thy Apokalypse font partie des réjouissances, tout comme le hard-rock de Zerothson nous rappelle qu'on écoute aussi parfois Metallica avec plaisir.

Si Bitume s'est fait une spécialité des musique plus ‘dures', le ton général est varié et toutes les formations maitrisent leur sujet. Sauf si la moindre idée de guitare vous révulse (et encore), il y aura forcément de quoi vous séduire ici. Bref, soutenez les labels indépendants parce que des artistes passionnants et des responsables passionnés s'y retrouvent.

Bitume Profond de Bitume

Feldup – Towards Happiness

marc — 2026-09-18T07:18:52Z

On a vite senti que la discographie de Feldup allait nous donner des nouvelles de sa santé mentale, que son cheminement intérieur était au cœur de son œuvre. Il en est de même d'artistes comme Kevin Barnes (of Montreal) ou Jamie Stewart (Xiu Xiu). Le titre de l'album semble indiquer qu'il espère aller mieux. On sent confusément que l'ironie narquoise n'est pas son truc, on espère donc que ça va se réaliser.

L'auditeur va lui retrouver l'intensité de tous les instants qui caractérise Félix Dupuis tout comme sa volubilité occasionnelle et ses éruptions et c'est le principal. On commence par une balade, ce qui est pour le moins inattendu. C'est forcément un faux départ, acté par les grosses guitares qui déboulent juste après sur Running On Empty.

On retrouve des évocations de traumatisme et c'est assez frappant (Clothes on the Ground) et revient assez souvent au détour des morceaux. Lesquels peuvent être très engageants (Get Up OK) ou un peu plus décousus. C'est solide et tortueux à la fois, même en mode power-ballad (Starless Skies). Running On Empty est un morceau marquant parce que sinueux, parce qu'il a une sincérité qu'on ne retrouve plus depuis longtemps chez, disons, Muse. Mais il ose aussi imposer une écriture limpide sur One and the Same. S'il avait 20 ans de plus, on pourrait le taxer de nostalgie mais il est au-dessus de tout soupçon à ce niveau-là, il peut donc impunément évoquer The Strokes, voire Radiohead quand la voix se fait plus aigüe sur la plage titulaire.

Si le contact est rétabli immédiatement, quelques écoutes permettent de mieux appréhender encore le propos. Mais les morceaux sont bel et bien là. Et il semble qu'ils ressemblent exactement à ce qu'il voulait en faire. Ce n'est pas une éruption de sentiments, c'est une expression choisie et maitrisée. Le faux chaos qui en découle (la fin bruitiste d'Unusual Order par exemple) est le reflet assez clair de ce qui est ressenti. Ne touche-t-on pas là à la base de l'expression artistique ?

Towards Happiness de Feldup

Metric, Broken Social Scene, Stars, De Roma, 16/09/2026

marc — 2026-09-17T11:43:38Z

Quand vous aviez quinze ans, vous aviez sans doute des potes qui faisaient de la musique, peut-être même en faisiez vous aussi. Mais il est peu probable que 25 ans après vous faites des tournées sur d'autres continents. C'est la belle histoire pourtant de cette bande de Toronto qui s'est rencontré à l'adolescence avant de fonder quelques formations emblématiques d'une scène et d'une époque. All Feelings est donc un concept plus qu'une tournée, une envie plus qu'une opportunité. La bande en question passait par Anvers, on vous raconte ça.

Copieux menu oblige, Stars commence très tôt son set (j'ai le premier morceau) mais ne rate pas sa mise à feu avec Take Me To The Riot. La scène est toujours copieusement remplie par 8 musiciens, et leur court concert alterne morceau plus catchy (Ageless Beauty) et plus rêveur (Dead Hearts). On s'est déjà déplacés pour Stars seuls, c'est donc un vrai bon moment qu'on connait. Torquil Campbell et Amy Millan dégagent toujours autant de charme à défaut de puissance vocale. Et puis avec une vraie section de cuivres, le mélodica emblématique de You Ex-Lover Is Dead nous rappelle qu'on vieillit tous au contraire de certains morceaux parfaits.

Je n'avais jamais vu Broken Social Scene. Des choix cornéliens imposés par des festivals pléthoriques n'aident pas. Et si on ne citerait pas la formation de Kevin Drew et Brendan Canning très vite en listant nos groupes préférés, on sait qu'ils sont là même si on ne s'en rend pas compte. Je connaissais donc tous les morceaux sans souvent pouvoir en donner spontanément le titre. Il faut dire que j'ai pensé au morceau Shoreline à chaque fois que j'ai vu le panneau de sortie du même nom sur l'[I5-https://en.wikipedia.org/wiki/Interstate_5], soit tous les jours pendant un an, mais je digresse. Pas vraiment en fait vu que le morceau est placé très tôt dans le set. Pour le reste, l'effectif pléthorique (4 guitares...) arrive à produire ce son soyeux et complexe mais jamais bordélique parce que personne ne tire vraiment la couverture à soi. Les voix sont assurées par Amy Millan et Jill Harris qui se fondent bien dans l'ensemble. Il ne manque que Leslie Feist (qui sera évoquée) puisqu'Emily Haines viendra chanter Anthems for a Seventeen Year-Old Girl qui nous fait comprendre ce qui les lie tous. En tous cas, c'est ma découverte de la soirée, avec jusqu'à 14 musiciens sur scène.

Metric est logiquement la tête d'affiche et on quitte d'emblée les rivages volontiers rêveurs pour une efficacité parfois forcenée. Victim of Luck est bien direct mais Emily Haines semble bien passive, ce qui étonne. Mais ce n'est qu'un échauffement, elle retrouve définitivement toute sa verve dès Oh Please. La setilist est remplie de morceaux tous plus bombastiques que les autres, et il faut les interventions plus senties de Emily ou le plaisir manifeste de faire venir Amy Millan pour transfigurer Breathing Underwater.

C'est à ces moments-là qu'on réconcilie l'image de la showgirl avec celle qui écrit de tellement formidables newsletters. Il y a une certaine profondeur chez Metric derrière le clinquant, on peut trop facilement passer à côté et du reste, ça ne retire rien à ces hymnes. Parce qu'ils nous achèvent avec Gimme Sympathy, Help I'm Alive et Black Sheep, non sans avoir convoqué les membres des autres groupes pour ajouter une section de cuivres ou tout simplement célébrer le plaisir d'être ensemble. L'importance du collectif n'a jamais été aussi manifeste qu'avec ces trois formations auxquelles on tient plus qu'on ne le pensait.

(je sais, ces photos sont moisies mais ce n'est pas ma faute si on ne peut plus emporter d'appareil photo décent)

Acquin – Restes

marc — 2026-09-14T06:44:55Z

On avait été introduits (sic) à l'univers cru et subtil à la fois d'Acquin via son précédent album C'est Beau et le ton unique avait tout de suite plu. Ce n'est plus Frédéric Lo qui est à la manœuvre comme sur les deux premiers albums et en toute honnêteté, il ne manque pas vraiment tant Eric Simonet donne un ton plus direct en parfaite harmonie avec la poesie des textes.

Le pitch du départ c'était le Gainsbourg du Marais, ce qui est forcément lourd à porter. Ici, on pense plutôt à une version moins straight de Benjamin Biolay et c'est un compliment tant les morceaux tiennent la comparaison. C'est assez patent sur des morceaux plus directs comme Dite qui plait par son ton très libre, littéraire dans sa crudité. Jeu Moral peut aussi évoquer un Etienne Daho un peu déluré.

Dès la première écoute, cet album semble avoir troqué une folie douce pour un propos plus resserré, une forme littéraire plus fine et moins tongue-in-cheek. Musicalement aussi, c'est plus rond, plus cohérent. On a déjà exprimé notre affection pour les albums compacts et sans graisse et c'est le cas ici. Dix titres, 32 minutes, zéro remplissage. Ce Sera Déjà Très Bien mêle ainsi des cordes et de la déclamation et reste remarquablement court, comme pour tuer dans l'œuf toute velléité de verbiage. Le parlé/chanté est bien maitrisé en tous cas quand beaucoup se fourvoient dans un chant trop ambitieux.

Les morceaux les plus immédiats et qui résistent aux très hautes rotations (on a beaucoup écouté) sont l'Amour Fout (Ça passait large/Sans substance/L'afflux sanguin aux anges) et Open avec son clavier en avant. Mais il y a aussi des morceaux plus intrigants comme Terre à Terre mais ils restent bien fluides. Et on a droit à une vraie douceur sur Reste ou Bise avec une belle voix féminine et la clarinette de Vincent Penot (de l 'Opéra de Paris). Bref, cet album s'est révélé jouissif.

Séance de Rattrapage #154 - Bimanche, James Crowley

marc — 2026-09-11T07:16:01Z

Bimanche – Impressions

Parfois (souvent même), une critique n'est qu'un prétexte pour encourager le lecteur à écouter une œuvre, celle d'un pianiste rennais. C'est manifeste dans le cas des albums de piano solo qui plaisent toujours mais sont compliqués à critiquer quand la formationet le vocabulaire manquent. Surtout que le point de départ de chaque morceau de cet album est un mot, d'une idée ou un univers et leur évocation, une manière de transcrire en musique des émotions et des images.

Vous pouvez me croire quand je vous dis que c'est vraiment beau, empreint de sentiments clairs mais pas trop appuyés. Une délicatesse qui ne confine jamais à la fragilité. C'est léger tout en étant fouillé et parfois certains morceaux (comme Vesper) peuvent se métamorphoser sans avoir l'air d'y toucher. Voilà, j'espère que le désarroi du critique n'a pas occulté le véritable plaisir de l'auditeur. A vous de jouer.

James Crowley – Imprint (EP)

Si la découverte est un plaisir, on aime aussi avoir des références auxquelles se raccrocher. Sur le premier morceau du troisième EP de James Crowley, la voix fait penser à José Gonzalez qui aurait acheté une boite à rythme et l'effet est fort plaisant. La base est éminemment acoustique et folk mais le son est plus étendu que ça. Pas en visant une certaine luxuriance, plutôt en ajoutant une facilité pop qui rend le résultat pas trop lisse donc très agréable.

Cette bonne impression se maintient sur Imprint qui est plus évanescent mais toujours aussi fluide. Et il se permet plein de couches de voix sur I Wish I Could Just Do Something. On aurait pu passer à côté de cet EP attachant, et on aurait raté une dose de douceur de très bon aloi. Vous savez quoi faire, je vous connais.

(l'EP sort le 18 septembre)