Esprits Critiques

Clip : Garz - Pluton (Nouveau Big Bang)

2026-06-07T13:44:39Z

(NDLR : on a déjà parlé de Garz, la dernière fois c'était ici)
(source : communiqué de presse)
Une fugue cosmico-schizo mêlant space rock et pop francophone dans un tripot improbable où la roulette russe devient un moyen de locomotion. Montez dans le bus. C'est grinçant, drôle, foutraque et profondément poétique.

Assorti d'un nouveau mixage du single signé Florian Weber et disponible sur toutes les plateformes de streaming.

Clip : Elias Dris - Bad Movie

2026-06-07T13:34:54Z

(source : communiqué de presse)
Voici Bad Movie clip extrait de Pearl, nouvel album d'Elias Dris à paraître le 18 septembre 2026.

Le désordre transformé en cinéma intérieur. Bad Movie est une dérive nocturne entre hallucination hollywoodienne et désillusion intime.

Traversé par les ombres de Jim Morrison et de David Lynch, le morceau avance comme un film qui se désagrège en direct.

"J'ai l'impression d'être un Neil Young possédé par le fantôme d'une actrice qui hante Sunset Boulevard".

Pearl est un album qui brûle. Pas pour être aimé, mais pour toucher quelque chose d'inatteignable.
Huit titres entre la mélancolie du folk de Laurel Canyon, l'ombre glamour d'Hollywood et une noirceur contemporaine héritée du sadcore et du hip-hop. Elias Dris convoque ses fantômes, Marilyn Monroe, Jeff Buckley, David Lynch, et cherche une forme de vérité brute.
Ce n'est pas un hommage. C'est une filiation. Des artistes traversés par quelque chose de plus grand qu'eux.
Pearl est né de cette même brûlure.
Au cœur du disque, Los Angeles. Un lieu de fascination et de perte, d'apprentissage et d'impulsion créative. Entre rêve de contre-culture, colère d'artiste et désir de liberté.
Produit de manière entièrement indépendante, l'album a été façonné avec une exigence rare.
Kieron Menzies en signe le mixage, lui qui a travaillé avec Lana Del Rey, Lykke Li.
Le mastering est assuré par Dominique Blanc-Francard qu'on ne présente plus et Adam Ayanil (PaulMcCartney, Taylor Swift, Rolling Stones...)
Le son de Pearl est celui d'un artiste qui a pris le temps de trouver sa précision.

Clip : Acquin - L'amour Fout

2026-06-07T09:11:00Z

(source : communiqué de presse)
Après cette délicate Bise, Acquin dévoile L'amour fout, morceau d'ouverture de ce nouvel album (à paraître le 18 septembre).

Il fallait un t à « fou », sinon ça ne passait pas. Sans t c'est fait et refait.
L'amour fout quoi ? On le sait tous. En tout cas, « il en fout partout ».
C'est à La Ciotat, berceau du cinéma qu'a été tourné ce clip, de nouveau sous l'œil de Nicolas Comment, Acquin y distille des allusions cinématographiques non cachées.

Deux compères, gentils voyous, paumés, errent, vagabondent. Le matériel est la Ciotat, ses rues, ce qu'on y trouve (encore) ce qu'on y voit (toujours), ce qui y surprend. C'est beau, c'est triste, libre et oppressé. On court après quoi ? On fuit ? On renonce, on recherche. On fait comme on peut.

Une course sans fin et sans raison sur un middle up tempo, en quête. Un refrain de souvenir « ça voulait dire flex au change, c'était l'amour hors séance, ça passait large sans substance, l'afflux sanguin aux anges ». Une histoire de toxico ? La quête sans cesse et effrénée.

Sortie : Alex Revox Jr - Electro Glam Part 1

2026-06-03T17:37:50Z

(source : communiqué de presse)
Après B77, un album qui proposait une série de titres aux confins des influences d'Alex Revox Jr, l'artiste (en fait trio qui travaille entre Paris, Toronto et Mexico) vous propose un second opus, entre nostalgie flamboyante et modernité électronique :

Alex Revox Jr dévoile Electro Glam Part 1, un album vibrant qui revisite l'esprit glam rock à travers une production électro contemporaine. Désormais disponible sur les plateformes de streaming, cet opus rassemble plusieurs relectures et influences issues de l'âge d'or glam des années 70 parmi lesquels David Bowie, Iggy Pop, Donovan, MC5, ou Gary Glitter !

Avec ses synthés hypnotiques, ses rythmiques dancefloor et son esthétique rétro-futuriste, Electro Glam Part 1 fait dialoguer les héritages de figures mythiques du glam avec une vision électronique actuelle. L'album s'inscrit dans l'univers singulier d'Alex Revox Jr, artiste reconnu pour son goût des croisements entre culture vintage, expérimentation sonore et énergie club. A découvrir avec le premier extrait Jean Genie (reprise de David Bowie).

Avec son nouvel album Electro Glam Part1, Alex Revox Jr s'impose une fois de plus comme une voix singulière de la scène électro rock contemporaine. Son nom est un hommage au plus célèbre magnéto à bandes. En sept reprises revisités avec originalité, Alex Revox Jr sait comme personne mélanger des instruments vintage et des machines actuelles à ses sons.

Avec Electro Glam Part 1, nous fait découvrir les dernières expériences musicales de son laboratoires sonores : ce sont Iggy Pop & The Stooges, David Bowie, The Osmonds, Suzi Quatro, Gary Glitter, Donovan, des grandes figures du rock et du glam, qui sont revisités, et bénéficient d'un traitement inédit, sonnant plus modernes que jamais.

Fidèle à son approche artistique, Alex Revox Jr mélange textures analogiques, machines électroniques et esprit rock dans une ambiance à la fois élégante, électrique et cinématographique. L'album Electro Glam Part1 propose une expérience sonore immersive destinée autant aux amateurs de glam vintage qu'aux passionnés d'électro moderne.

Clip : Imbert Imbert - Je Bronze (à ton silence)

2026-05-29T18:58:07Z

(source : communiqué de presse)
voici le 1er clip extrait du nouvel album d'IMBERT IMBERT à paraitre le 28 aout 2026.
Je bronze (à ton silence) n'est pas à proprement parlé un clip mais un témoignage de musique vivante, où l'on voit des vrais humains prendre leur pied à jouer ensemble un calypso teinté de blues, avec un des pères fondateur du maloya, René Lacaille à l'accordéon, dans un studio de rêve, le studio La Buissonne, repaire international du jazz et des musiques libres et improvisées depuis plus de 40 ans.

Dans un album dédié à son père, cette chanson en est le parangon. Écrite juste après son décès, Imbert Imbert s'accroche comme à une bouée à tout ce qui nous reste de beauté, dans nos souvenirs d'enfance, et de la nécessité de vivre la perte d'un père avec la vigueur de l'instant présent et l'espoir impérieux d'une vie en cours.

Sortie : tellKujira - La lucha es un poema colectivo

2026-05-29T18:51:50Z

(source : communiqué de presse)
Le quatuor italien tellKujira sort aujourd'hui La lucha es un poema colectivo, un nouvel album conçu lors d'une résidence artistique à l'IRCAM à Paris et publié via Superpang. À la croisée de la musique contemporaine, de l'électronique, de l'art rock et du free jazz, le groupe poursuit le développement de son langage singulier à travers l'improvisation, la fragmentation et la recomposition.

L'univers sonore de tellKujira traverse des paysages abstraits, des textures ambientes, des polyrythmies et des timbres industriels sans jamais s'attacher à des formes fixes. Avec le temps, le groupe a affiné cette approche en élaborant un « Fragmentarium » — un système de composition fondé sur l'assemblage et la réorganisation de fragments à l'aide d'instructions codées, générant un champ infini de possibilités tout en préservant une précision structurelle.

L'album prend forme sur fond des grèves de novembre 2023 au Centre Georges-Pompidou, où les travailleurs manifestaient pour défendre leurs droits pendant la résidence parisienne du groupe. Cette expérience est devenue le cœur émotionnel et conceptuel du disque : une réflexion sur le collectif, la solidarité et la tension entre création artistique et réalité sociale.

La lucha es un poema colectivo se déploie ainsi comme un écho politique autant qu'un rituel sonore — une musique qui suspend le temps, écoute, se fracture puis se reconnecte. Comme une phrase aperçue sur un mur ou dans la rue, l'album invite à un instant de reconnaissance : un lien intangible entre des personnes qui s'arrêtent, regardent autour d'elles et se souviennent qu'elles sont encore vivantes.

La lucha es un poema colectivo de tellKujira

Sortie : Jérémie Ternoy - Ça commence par la marche

2026-05-29T18:50:01Z

(source : communiqué de presse)
Jérémie Ternoy publie aujourd'hui Ça commence par la marche, un nouvel album hypnotique construit sur la répétition, le mouvement et la transformation progressive. Conçu autour d'un unique motif de 13 notes joué par deux pianos, le disque se déploie comme une transe organique — immobile mais en perpétuelle mutation — où des micro-détails révèlent peu à peu des architectures sonores monumentales.

Né en 1977 et installé dans le nord de la France, Jérémie Ternoy développe depuis plus de vingt ans un langage musical singulier à travers la composition, l'improvisation et l'expérimentation collective. Après des collaborations avec MAGMA et des projets tels qu'Organik Orkeztra, TOC ou encore son trio, Ça commence par la marche apparaît comme une synthèse de son parcours artistique.

Inspiré par la marche comme expérience à la fois physique et perceptive, l'album transforme la répétition en mouvement et l'écoute en exploration. Deux pianos constituent le cœur de la pièce, progressivement rejoints par des batteries, des basses, des voix et des instruments à vent qui prolongent et métamorphosent le motif initial en un organisme collectif en constante évolution.

Influencé par la composition minimaliste et les formes cycliques, Ça commence par la marche invite l'auditeur à entrer dans une transe lumineuse et profondément intérieure — un espace où l'immobilité apparente devient un mouvement continu, et où chaque variation ouvre une nouvelle perspective.

Ça commence par la marche de Jérémie Ternoy

Morceau : Mialuna - I Never Meant To Let You Down

2026-05-29T13:05:00Z

(source : dossier de presse)
Mialuna est le nouveau projet solo de l'artiste et auteure-compositrice norvégienne Miriam Kjølen. On l'a connue précédemment au sein du duo Mhoo, encensé par la critique, qui a tourné à l'international pendant plus d'une décennie et partagé la scène avec des artistes de renom tels que Jeff Beck et First Aid Kit.

Une esthétique entre folk et gospel
Son premier single, Does My Heart Even Know, issu de son album à venir, a été décrit par Musikknyheter comme la rencontre du « folk nordique et du gospel ». Le titre a également été salué ici même (c'était ici) pour ses « textures cinématographiques et son intensité émotionnelle feutrée ».

De l'agitation à l'espoir
Son deuxième single, I Never Meant To Let You Down, s'inscrit dans la continuité de l'arc émotionnel entamé avec le premier titre, évoluant d'une agitation intérieure vers la réflexion et l'espoir. Articulé autour d'une batterie jouée aux balais, d'une basse pulsée, d'un orgue et d'un arrangement choral changeant, le morceau est porté par un élan vers l'avant, à la fois subtil et persistant.

Sortie : Serguei Spoutnik - Transcend

2026-05-29T09:58:19Z

(source : communiqué de presse)
Serguei Spoutnik est le projet solo du français Damien Lecoq, musicien et ancien membre du groupe QDRPD, avec lequel il a tourné à travers l'Europe. Son premier EP Subject, Verb, Complement est sorti en 2020 sur le label français Santé Records. Ce projet reflétait une approche plus introspective et ambient, mêlant synthés des années 80 et spoken word.

Transcend, son nouvel album qui parait aujourd'hui chez Independent Practice, naît lors d'une résidence à Reykjavik, en Islande. Pendant sept jours, il a rencontré sept artistes locaux, qui lui ont chacun prêté un de leur synthé pour une journée. En échange, il leur prêtait un caméscope, un modèle obsolète qui capture des images floues et tremblantes, comme celles de ses souvenirs d'enfance. Ces vidéos, filmées par des inconnus dans un pays qu'il ne connaissait presque pas, nourrissent l'album d'une manière toute particulière, par le trouble et l'imperfection de ces images, qui établissent un lien subtil avec son histoire personnelle, où l'intime, le passé et le présent se transcendent.

Transcend explore le pont entre son adolescence dans un lotissement pavillonnaire en France et sa vie d'adulte et artiste queer. Il interroge ce chemin de transformation, tout en mettant en lumière les relations entre différentes sphères culturelles et sociales.

La pochette de l'album, imaginée par Lukas Persyn, présente une sculpture-antenne qui incarne ce lien, comme un dispositif de transduction. Elle capte et relie des signaux invisibles, tout comme cette recherche d'identité, fluide et en constante évolution. Photographiée par Victor Pattyn, cette sculpture émerge comme une présence étrange, presque surréaliste, mais parfaitement intégrée dans ce paysage suburbain ordinaire, qui lui confère une forme à la fois familière et déstabilisante.

L'album fusionne dream pop, darkwave, downtempo et ambient. Il explore l'intimité sonore, le réconfort de la pop, et la recherche d'une identité musicale propre, entre chant, guitare et synthés. La production a été réalisée par Apollo Noir, avec qui Serguei Spoutnik a cherché à traduire cette quête intérieure, entre l'intime et l'universel.

Transcend de Serguei Spoutnik

Clip : Grandmas House - Baby You're a Winner

2026-05-27T10:00:00Z

(source : communiqué de presse)
Grandmas House dévoilent les détails de leur très attendu premier album, Baby You're A Winner, dont la sortie est prévue le 21 août via Brace Yourself Records.

Cette annonce s'accompagne de la sortie du titre éponyme de l'album, « Baby You're A Winner », trois minutes explosives et nerveuses de rock, portées par des lignes de basse élastiques et des riffs de guitare entrelacés. Au centre du morceau se trouve la voix rauque et veloutée de la guitariste et chanteuse Yasmin Berndt, qui s'élève au-dessus de somptueuses harmonies vocales tout en abordant le thème du soutien aux personnes que l'on aime, afin de les aider à voir la lumière sous laquelle on les a toujours perçues.

À propos du morceau, le groupe déclare :
« “Baby You're A Winner” est un hymne rock'n'roll qui parle de la capacité à voir la beauté chez les personnes qu'on aime lorsqu'elles n'en sont pas capables elles-mêmes. Le morceau évoque la frustration de voir des amis ou des partenaires incapables de se reconnaître comme les gagnants qu'ils sont réellement — une ode destinée à vous remonter le moral lorsque vous vous sentez au plus bas. »

Le single est accompagné d'un clip décalé inspiré des jeux télévisés, réalisé et produit par Clump Collective, qui apporte une dimension ludique supplémentaire au titre de l'album.

« Baby You're A Winner » illustre parfaitement l'évolution musicale de l'album auquel il donne son nom. En collaborant sur les douze morceaux du disque avec le producteur Ali Chant — connu pour son travail avec PJ Harvey, Perfume Genius et Yard Act — Baby You're A Winner marque une véritable progression pour le groupe de Bristol : un disque plus riche et plus nuancé que le trio d'EP précédents du groupe — Grandmas House (2021), Who Am I (2023) et Anything For You (2025) — avec une attention accrue portée aux voix et aux harmonies afin de renforcer des arrangements construits avec une grande minutie.

Clip : Litiges ! - You're Freaking Me Out

2026-05-26T18:56:32Z

(source : communiqué de presse)
Litiges ! annonce la sortie de son premier EP I Wanna Be A Diamond pour le début d'année 2027. Entre rock énergique et électro, Litiges ! nous dévoile 5 titres portés par des guitares omniprésentes et des textures électroniques inspirées. Sombre et hantée, la voix grave de Litiges !, souvent comparée à celle de Nick Cave, nous attrape et nous submerge d'émotion.

Le son navigue entre la noirceur de Ghinzu, l'élégance d'Archive, ou encore la finesse de The Notwist, créant un univers à la fois sombre et lumineux. Sur le EP, cinq morceaux sur six intègrent une une batterie analogique, enregistrée par Florian Gouello à Los Angeles. L'ingénieur du son Cloon enrichit l'ensemble d'effets et de beatmaking qui accentuent chaque émotion.

Avec le premier single You're freakin' me out, Litiges ! offre une voix pour tous ceux qui étouffent sous le poids des reproches récurrents, de cette sensation d'être piégé dans une boucle infernale.
C'est une chanson de libération et une permission à partir quand tout devient invivable.

Morceau : Elodie Wrobel – Ton idée

2026-05-22T13:29:00Z

(source : communiqué de presse)
Quelque part entre la mélancolie de Christophe, les textures de Flavien Berger et les guitares sombres de Sharon Van Etten, "Ton idée" déploie une pop nocturne et sensible, aux accents électro, portée par une voix caressante et habitée.

Le morceau explore une douleur intime, une plaie au cœur, une chute… puis un sursaut.
Une montée émotionnelle, hypnotique, qui oscille entre vertige et apaisement, comme un vortex dont émerge peu à peu une lumière. Elodie Wrobel (on l'a déjà présentée ici) transforme presque la peine en extase.

Avec les guitares d'Emilie Marsh (Dani, Jil Caplan…) et une production signée Fabien Martin.

Morceau : Sinyo' - JUsTe uN rêVe !

2026-05-22T07:18:00Z

(source : communiqué de presse)
Après les bons retours sur “Tous tes mensonges” (plus de 310k streams cumulés, notamment porté sur TikTok), ainsi que “Train de vie” et “Sel Sec” en feat avec Howrell, il tease le retour des beaux jours avec ce nouveau titre.

Avec JUsTe uN rêVe !, Sinyo' propose un titre de pop indie à la fois solaire et léger, qui capture la sensation d'un amour presque irréel. Pensé comme une bande-son pour démarrer la journée, le morceau dégage une énergie estivale et entraînante, portée par une production moderne aux touches urbaines.

Clip : Sïan Able - Tearskin

2026-05-13T14:52:00Z

NDLR : on parlait de Sïan Able ici. Oui, on aime beaucoup
(source : communiqué de presse)
S'il est difficile de dater précisément la germination de ce nouvel opus, c'est en décembre 2024 que la composition prend forme, suivie d'une année de production et d'arrangements. Entre recherche et détours nécessaires, TEARSKIN émerge alors comme une balise, dictant la direction artistique de l'album. Le projet a été sculpté avec une exigence qui ne laisse rien au hasard : chaque détail, chaque texture, chaque silence, chaque couche est une décision délibérée, prolongée par l'esthétique du clip qui l'accompagne. Avec ce titre, Sïan Able affirme sa mue et s'affranchit des conventions pour embrasser une forme plus épaisse, percutante et indomptable de son identité

TEARSKIN parle aux tripes et à l'instinct animal. C'est un titre qui regarde la noirceur dans les yeux pour ne plus en avoir peur. Ici, la colère est une source d'énergie, et l'imagination, un sport de combat (souvent contre soi-même).

Le son : Une architecture sonore massive où les synthétiseurs ne sont plus de simples ornements, mais des forces primitives. Les beats électro et la puissance des instrumentaux soutiennent une voix qui refuse la complaisance pour privilégier l'urgence du propos.

La mue : Le texte explore cette sensation d'étouffement où la peau devient une prison que l'on doit craquer de l'intérieur. C'est le passage d'une identité ancienne à une « thicker skin », plus résistante, plus assurée.

Le clip : Entre dire et évoquer, Sïan Able redonne une place centrale à l'ombre. La guérison ne vient pas de la neutralité, mais de la capacité à porter son propre chaos. Dans un clip cinématographique, entourée d'un équipe complète, elle met en scène la cage physique et métaphorique que peuvent être notre corps et notre esprit.

Morceau : Serguei Spoutnik - Digital Fruit

2026-05-13T11:22:22Z

(source : dossier de presse)
Serguei Spoutnik publie aujourd'hui “Digital Fruit,” second single extrait d'un nouvel album intitulé Transcend à paraître le 29 Mai 2026 chez Independent Practice.

Serguei Spoutnik est le projet solo du français Damien Lecoq, musicien et ancien membre du groupe QDRPD, avec lequel il a tourné à travers l'Europe. Son premier EP Subject, Verb, Complement est sorti en 2020 sur le label français Santé Records. Ce projet reflétait une approche plus introspective et ambient, mêlant synthés des années 80 et spoken word.

Transcend, son nouvel album, naît lors d'une résidence à Reykjavik, en Islande. Pendant sept jours, il a rencontré sept artistes locaux, qui lui ont chacun prêté un de leur synthé pour une journée. En échange, il leur prêtait un caméscope, un modèle obsolète qui capture des images floues et tremblantes, comme celles de ses souvenirs d'enfance. Ces vidéos, filmées par des inconnus dans un pays qu'il ne connaissait presque pas, nourrissent l'album d'une manière toute particulière, par le trouble et l'imperfection de ces images, qui établissent un lien subtil avec son histoire personnelle, où l'intime, le passé et le présent se transcendent.

Sans véritable structure rythmique, « Digital Fruit » avance comme une lente dérive intérieure. Traversé par une nappe de synthétiseur ample et organique, le morceau glisse progressivement d'une voix presque parlée vers des fragments de mélodies et de chant, sans jamais réellement basculer dans la pop, bien qu'il semble parfois l'approcher.

Une guitare claire et réverbérée apparaît au milieu du morceau comme une percée lumineuse, avant que l'ensemble ne se dissolve dans un chant lointain et suspendu.

À travers des images de racines, d'antennes et de réseaux invisibles, “Digital Fruit” explore le désir comme une force organique et persistante, quelque chose qui se propage silencieusement sous la surface, échappe au contrôle et continue de chercher des formes de connexion, d'intimité ou de vérité. Le morceau prolonge ainsi l'univers hybride de Transcend, entre ambient, spoken word, expérimentation électronique et écriture intime.

Transcend est disponible en précommande au lien suivant : https://push.fm/ps/eobjyqa8

Transcend de Serguei Spoutnik

Clip : Maniac Maison – New Museum

2026-05-12T07:42:11Z

(source : communiqué de presse)

Maniac Maison est le trio bruxellois formé par Casimir Liberski, Lucien Fraipont et Shoko Igarashi. Mêlant avant-pop, expérimentations synthétiques, musicalité ancrée dans le jazz et un esprit DIY intrépide, leur nouvel album à paraître le 22 mai sur Humpty Dumpty Records puise ses influences aussi bien dans Yellow Magic Orchestra et Telex que dans les bandes originales de vieux jeux vidéo japonais et la composition classique.

Aujourd'hui, ils dévoilent le titre « New Museum », accompagné d'un clip réalisé par Canek Zapata.

Précommandez votre exemplaire sur https://maniacmaison.bandcamp.com/album/maniac-maison

Clip : Acquin - Bise

2026-05-06T17:59:35Z

(source : communiqué de presse)
Premier extrait étonnant de ce nouvel album (à paraître en septembre 2026), Bise surgit en mélodie très simple, modestement ornée.

Comme depuis Bareback, Nicolas Comment est derrière la caméra, poursuivant une collaboration qui devient collection.

« Bise » est un duo, proposé à Inès Del Valle, on n'est pas loin de la lyre, du poète fragile et sensible : jardins luxuriants, soleil de plomb, papillons, une ode où tout est beau, rêve et poésie.

S'y croisent, sans tout à fait se rencontrer : la philosophie (Inès Del Valle), la sagesse (Juan Clemente) et le poète (Acquin). C'est aussi simple que ça.

L'instrumental repose — outre l'arpégé très simple de cordes pincées — sur la clarinette de Vincent Penot de l'Opéra de Paris.

Pourquoi ce titre en premier, si tant est que le mot « single » soit adapté à son orchestration ?

Bonne question. Tout ne sera pas de cet acabit, mais il ouvre et prolonge des chemins déjà entamés.

Filmé au cœur du parc Jean-Jacques-Rousseau à Ermenonville (Oise), ici image et musique concordent, en symbiose, « à la reverie ».

Bio :
Après Bareback (2020) et C'est beau (2023 - NDLR : on en parlait ici), réalisés avec Frédéric Lo, Acquin affirme une esthétique singulière que la presse a déjà saluée : “Gainsbourg du Marais” pour Libération, “des chansons jouissives hors du temps” selon Télérama.
Avec Restes, il pousse son écriture : folle et libre jouant de ses maladresses.
Chien fou et poète lucide, Acquin élargit son terrain de jeu.
Une patte qui se reconnait, qui s'esquisse dans un arpège fragile ou s'ancre dans une basse tendue.
Avec ces déclinaisons, divergences, retenues et chevaux lâchés, Acquin promène ses prières entre caves cachées et prairies printanières, de la pastorale réduite aux souterrains humides. Clarinette et Crash se saluent, n'excluant aucun nectar tant qu'il sert l'office.

Clip : C'Mon Tigre - Driver Idle (feat. Perry Maysun)

2026-04-29T14:16:00Z

(source : communiqué de presse)
C'mon Tigre (NDLR : on en parlait ici) revient avec « Driver Idle (feat. Perry Maysun) », le deuxième single extrait de leur prochain album, dont la sortie est prévue en 2026. Après le titre « K//A\K//A », sorti le 19 septembre 2025, « Driver Idle » est disponible sur toutes les plateformes depuis le vendredi 24 avril et constitue une nouvelle étape vers un album volontairement sans titre et en constante évolution, une œuvre façonnée autant par la performance live que par le travail en studio.

Aujourd'hui, le groupe dévoile le superbe clip qui accompagne le morceau : « Driver Idle » parle de désorientation — non pas individuelle, mais collective. Un protagoniste vit dans une cellule qu'il ne reconnaît pas comme telle, se peint le visage comme un acte d'identité, trouve les siens par hasard ou par nécessité, et construit avec eux quelque chose de fragile et temporaire. La vidéo suggère que lorsque les systèmes collectifs cessent de fonctionner, les gens ne cherchent pas de grandes solutions : ils cherchent des micro-points d'ancrage. Un point de contact. Une présence reconnaissable. La femme, le van, la danse partagée sont autant de tentatives pour rétablir un minimum de repères dans un espace devenu illisible. La fin ne résout rien — et c'est volontaire : le foyer n'est pas un lieu fixe. C'est une condition qui se construit et se perd, et qui prend parfois la forme de quelque chose que le monde qualifierait de crime.

Le morceau accueille Perry Maysun, rappeur et auteur-compositeur basé à New York, dont la production prolifique — plus de vingt projets et plus de 25 millions d'écoutes sur les plateformes numériques — a fait de lui une voix singulière du hip-hop alternatif expérimental. Son travail se caractérise par une approche brute et introspective, souvent centrée sur des thèmes comme la santé mentale, la douleur et l'identité. En 2024, Maysun a été diagnostiqué d'un ostéosarcome. Pendant sa chimiothérapie, il a continué à écrire et enregistrer depuis son lit d'hôpital, jusqu'à son rétablissement complet en octobre de la même année. Sa contribution à « Driver Idle » porte cette intensité vécue, une expression façonnée par la vulnérabilité, l'endurance et la présence.

Sortie : Bakir - All'Alba (EP)

2026-04-29T07:23:45Z

(source : communiqué de presse)
Entre transe héritée et tension contemporaine, BAKIR dévoile All'Alba, un premier EP de 7 titres à paraître le 24 avril prochain sur le label marseillais Gros :Œuvre Records. Né de trois années de collaboration au sein du collectif Baklawa Music, le projet s'impose comme une proposition à part, à la croisée des musiques modales, des traditions gnawa et des écritures électroniques actuelles.

Pensé comme un passage — “All'Alba”, “à l'aube” en italien — l'EP se construit comme un moment de bascule, entre nuit et lumière, entre héritage et projection. Le disque articule structures cycliques, motifs répétitifs et variations progressives, dans une écriture qui puise dans les traditions gnawa tout en les projetant dans un environnement électronique contemporain. À travers ses 7 titres, BAKIR interroge les écarts entre récits collectifs et réalités vécues, abordant en filigrane les questions de frontières, de circulation et de trajectoires humaines. La mer traverse l'ensemble comme une ligne de fuite : espace de projection, de rupture et de passage.

Clip : Clem Léa - Enfance

2026-04-29T07:21:02Z

(source : communiqué de presse)
Piano nu, voix tenue : Clem Léa dévoile « Enfance », premier extrait de son EP Avant que le temps n'efface (automne 2026). À la croisée de la chanson française et d'une pop acoustique épurée, elle développe une
écriture centrée sur l'essentiel : le poids des mots, le temps, et ce qui en reste.

Dès les premières notes, le parti pris est clair : un piano dépouillé, une voix tenue, sans effet. La proximité s'installe immédiatement, presque fragile, et la chanson respire. « Enfance » avance à bas bruit, entre retenue et précision, en s'attachant moins à raconter qu'à faire ressentir. Entre français et anglais, le texte circule entre souvenirs, images diffuses et sensations persistantes, avec en filigrane une question simple : peut-on revenir à ce qui nous a construits, une fois que le temps a déjà déplacé les repères

Clem Léa travaille dans les interstices. Les silences existent, la tension reste douce, la fragilité tenue. « Enfance » pose ainsi les bases d'un EP pensé comme une suite d'instants suspendus, attentifs à ce qui se joue entre hier et aujourd'hui.

Autrice-compositrice-interprète formée au piano classique, Clem Léa développe un langage hybride, nourri autant par la rigueur académique que par des explorations plus libres — du jazz manouche à la musique
brésilienne. Sa musique avance avec exigence, sans démonstration, et privilégie une écriture incarnée, où la voix devient un vecteur d'émotion autant qu'un espace de retenue.