Esprits Critiques

Twin Thousands - Lp

2011-03-25T16:16:08Z

Large palette

C'est trop injuste. Evidemment, on sait qu'on se cantonne à quelques genres, qu'on est moins ouverts et versatiles qu'on se plait à le penser, mais quand on découvre un album enthousiasmant qui est passé complètement inaperçu, il pousse des ailes de redresseur de torts. Avec ce corollaire qui vous est peut-être familier à force d'entendre des groupes un peu semblables, chaque découverte (même encourageante) se double d'une pointe de mélancolie.

Sorti en 2010 dans l'indifférence générale, et en version virtuelle seulement, le premier album du groupe de Brooklyn a quand même quelques arguments, comme la présence d'un membre de Cursive ou une collaboration d'un membre moins connu d'Arcade Fire (Kelly Pratt). Cette allusion canadienne va d'ailleurs m'aider à mieux vous présenter Twin Thousands puisque je verrais bien cet album sorti sur Arts And Crafts, le label de Metric, Stars, Land Of Talk ou Broken Social Scene, quelques groupes qui peuvent mêler émotion et son très léché. Avec en sus un petit souffle héroà¯que (sur Volcano Season et ses cuivres en liberté) venu d'un autre point du Canada (Montréal donc) qui peut donner l'entrain nécessaire au poussage de beuglante qui entame cet album.

Mais ils savent aussi rentrer les griffes, le temps du second Like You A Lot que ne renierait pas Destroyer. Et puis encore élargir leur spectre sur 7 is 8, de l'électronique du début à une intensité prenante en passant par quelques passages noisy. Ce morceau-synthèse est le troisième et on a déjà eu un joli aperçu de l'étendue de leurs possibilités. Donc si tous ces éléments ne sont pas déroutants quand on en fait le détail, la vue d'ensemble peut déconcerter par sa versatilité, qualité qu'on avait déjà identifié chez les Norvégiens d'Harrys Gym. On passera donc d'une pop légère à la Au Revoir Simone qui aurait pris des vitamines (Tailfeather) à quelques belles poussées de fièvre (Fireworks).

Evidemment, elles pourront paraître occasionnellement pompières ces circonvolutions de Twin Thousands et les allergiques au goà »t de trop passeront un moment difficile. Pour ma part, j'ai beaucoup apprécié cette large palette qui a le bon goà »t de montrer que quand on possède un don, les façons de l'exploiter sont multiples.

http://www.myspace.com/twinthousands
Bandcamp est sans conteste une des plateformes les plus usitées du moment : http://www.twinthousands.com/

Tall ships - There is nothing but chemistry here EP

2011-01-20T14:14:04Z

Graine de star.

Ah ce petit goà »t de trop peu à la fin d'un de nos albums du moment. Et se dire qu'on va devoir attendre deux ans au mieux pour avoir la suite.
Heureusement des découvertes connexes arrivent parfois à combler ce manque. Comme l'EP de Prismo perfect avait complété le Post Nothing de Japandroids, ici se trouve peut-être une réponse pour les amateurs de Foals.

Car les anglais de Tall Ships sortent un second EP et tapent pile là où Foals nous avait conquis. Et ils n'oublient pas d'y ajouter une peu d'énergie brute et naà¯ve à la façon Japandroid. Dans la catégorie rock, dynamique et audacieux, on va devoir les suivre de près.

Les 5 titres de cet EP font déjà découvrir une belle palette de sonorités. Ces trois-là ont plus d'une recette en magasin et pour une EP "maison"on en vient à être étonné de la qualité de ce qu'on entend. L'évolution sonore est évidente par rapport à leur premier EP. Les compos sont également plus tendues.

La voix guide Plate Tectionics, ce qui ne l'empêche pas de se taire pour laisser la place au guitares. Le tout est soutenu par la rythmique efficace.

Chemistry s'installe sur la longueur avec des guitares syncopées façon math-rock rappelle certainement le premier album de Foals. La suite est plus calme, avec l'entrée en piste de claviers cajoleurs et du chant. La tempête se transforme en brise d'été. C'est savamment orchestré. les guitares au second plan maintiennent la tension, un peu à la façon d'un Spanish Sahara, le chant est clair, les changements de rythme bien amenés

Snow, après un début plus sage et plus plat, rattrape son retard par une montée à la force des poignets. C'est précis et maîtrisé.

Je vous parlais de palette et même de versatilité, Ode to Ancestors en est la preuve. Passer de la mélancolie sur fond d'orgue, au chœur masculin, au jingle de luna parc dans une même chanson et sans perdre ni la trame harmonique ni l'intérêt, si ça n'est pas un exploit, ça y ressemble en tout cas. Un exemple d'un cas de "Paranoid Androidite" réussie....

Et Bearandblitz, avec ces airs de morceau nonchalant échappé du chez Yann Tiersen, se fera excuser de combler les deux dernières minutes de ce très étonnant EP.

5 titres pour vous les fans de Foals et les autres donc. 5 titres, c'est court et on attend d'en entendre plus. Ils faisaient la première partie des concerts de 65DOS cet hiver. Les échos de leur concerts sont fort bons. On nous évoque une prestation de multi-instrumentistes à la Battles (ou comment jouer de la basse, de la guitare et du clavier sur le même morceau). Il ne reste plus qu'à aller vérifier par nous-même.

http://www.myspace.com/tallshipsfromfalmouth

Le Double - Songs For Maggots

2011-01-05T13:17:12Z

Dualité

Cette période un peu creuse musicalement parlant, entre vapeurs de réveillon et rentrée en bonne et due forme, est propice au bouclage des critiques de l'année précédente. Plutôt que me lancer dans la tà¢che titanesque de jeter une oreille sur les 389 albums de la liste de Laurent que je n'ai pas écoutés, c'est une critique de proximité qui me sort de ma torpeur.

Première impression à l'entame de l'écoute, j'ai pensé assez vite à Sophia. Mais sans le charisme auto-apitoyé de Robyn Propper-Sheppard. La façon de poser une mélodie y renvoie clairement. Donc c'est au public de cet attachant artiste que je conseillerais d'abord Le Double. Mais il ne faut pas céder à la facilité de cette comparaison et penser naà¯vement qu'on a fait le tour du sujet, bien plus mouvant et complexe. Le Double semble donc un nom plutôt bien choisi par Samuel De Smedt, l'auteur de cet album.

Double pourquoi donc ? Parce qu'on peut situer ce Songs For Maggots à l'intersection de ceux courants. A ma gauche donc, du folk. Auderghem n'est pas un vivier musical (ou alors on me cache des trucs) comme Portland, Seattle ou Manchester (sans parler de Montreal ou Brooklyn), mais ce groupe s'inscrit dans une mouvance presque mondiale. Ou alors c'est moi qui écoute trop de choses semblables, ce qui est de toute façon ce que je ressens. On a déjà parlé de l'importance relative du contexte. Le Double peut donc â€˜jouer avec' dans le genre qu'il pratique avec un talent manifeste. Mais on connaît tellement de réussites qu'il est difficile de se défendre pied à pied. Que faire alors ? Varier, se souvenir de ses anciennes amours post-rock. Et c'est là que je me tourne vers la droite.

Parce que le milieu de l'album part vers d'autre rives, ce qu'on soupçonne dès la variété de Shine, Burn ! C'est encore plus patent What If, y compris dans un placement de voix qu'on devine postérieur à la composition (c'est pour ça qu'on parle de post-rock, dites ?). Et puis il y a des petits détails qui plaisent, comme entendre de l'accent liégeois sur la voix enregistrée de Yukon. Ce genre de petit clash me ravit.

Puisque je suis là pour donner mon avis, je vais en profiter pour dire que le chant manque un peu du pur charisme qu'on aime tant chez un Shearwater ou Bright Eyes. On ne demande évidemment pas à chaque chanteur d'avoir le charisme de ces monuments mais tout tient tellement la route musicalement que c'est surprenant. C'est évidemment une impression (forcément) subjective mais certains morceaux, surtout ceux où elle a l'occasion de monter (Perfection, Middle Class Folks) en pà¢tissent. Par contre, quand elle est plus contenue, on a d'excellents moments. Le Should We Sophia en diable par exemple ou le délicat et enchanteur The Guy.

Pas besoin d'aller très loin pour chercher des satisfactions musicales. On va donc suivre ce groupe, et plus que probablement s'arranger pour le voir en concert. Parce qu'en jouant à la fois sur le registre d'une écriture très classique et en se risquant dans des digressions musicales assurées, il arrive à créer un mélange attachant.

www.spankmemore.com
www.myspace.com/ledble

Death in June - Peaceful Snow

2010-12-23T18:34:06Z

Piano forte

Sans vouloir faire de la psychologie de bazar, beaucoup de choses s'expliquent par le passé. Pour ne pas sortir du cadre strictement musical de ce site, ce que j'écoutais dans les années '90, ce n'étaient pas les groupes de Seattle ou de pop avec des guitares. J'ai donc développé un certain recul par rapport à la musique qui fait ce style de bruit. Par contre, j'ai eu l'occasion de me frotter à des illuminés notoires qui m'ont montré qu'une musique était possible (on ne parlait pas d'alter à l'époque).

Cette mouvance étrange, toujours vivace, jamais à la mode, jamais sous les projecteurs garde en tout cas intact son pouvoir de fascination. Sous des étiquettes parfois croquignoles mais souvent pertinentes (martial music, apocalyptic folk, post industrialâ€¦) se retrouvent en tous cas de fortes personnalités. Que ce soient Douglas P le leader de la formation du jour, David Tibet son ami et occasionnel collaborateur qui officie dans les inclassables Current 93 ou Tom Wakeford qui a quitté Death In June pour fonder Sol Invictus, ce sont des univers qu'il faut convoquer. Parce que si la musique est très importante, il faut aussi être conscient que c'est tout un mode de symboles, marqué par des choses aussi peu fashion que le paganisme ou l'hermétisme d'une façon générale. Si on ajoute une réputation parfois sulfureuse due à un emploi d'allusions à l'Allemagne d'une certaine époque (ils ne sont pas soupçonnable du moindre racisme ceci dit), on sait qu'on va retrouver un univers très personnel sur cet album, sans savoir à quelle sauce musicale on sera mangés.

Parce que Death In June, c'est aussi une discographie touffue et complexe, dont sont sortis des perles comme Osterbraun, album composé avec Les Joyaux De La Princesse. Et qui reste pour moi un des albums au charme subtil mais profondément malsain. On de ressort en tous cas pas indemne de cet ambient faussement léger. Vous l'aurez compris à cette note liminaire particulièrement longue, il y a du vécu avant cette écoute. Mais rassurez-vous, ceci n'est pas du tout un plaisir d'initié même si l'intérêt vient aussi de ces différents niveaux de lecture. Cette combinaison finalement classique voix/piano est tout ce qu'il y a d'universel, dans le versant racé et glacé.

Cet album attaque fort, en mettant d'emblée en avant les deux attractions de cet album, à savoir une très belle voix grave et un piano omniprésent. La voix très placide, ressemble à celle de Black Heart Procession mais en plus distanciée, encore plus dénuée de pathos. Le piano, lui, jamais ne s'essouffle, ne se fait jamais caressant, mais reste austère. Ce mélange de feu et de glace, un peu monotone, répétitif évoque non pas l'ennui mais l'incantation. Il reste ça et là quelques boucles discrètes, quelques voix triturées pour nous rappeler les origines torturées du groupe. La facilité mélodique est aussi un incitant non négligeable pour enchainer les 30 morceaux que compte la version longue. Si un seul de ces morceaux arrive à se frayer un passage, attention, tous les autres vont s'engouffrer sans crier gare.

Un petit coup d'œil aux titres permet de définir avec certitude que la gaudriole ne sera pas de mise. Ne pas rendre morbide un My Company Of Corpses ou The Scents Of Genocide est quand même une performance en soi. Comme une Soap & Skin dans un genre connexe, autant de sérieux peut entrainer la raillerie si l'émotion n'imposait autant de respect.

La seconde partie (les 17 derniers titres) est entièrement instrumentale, comportant des versions adaptées de certaines de leurs chansons emblématiques comme Rose Clouds Of Holocaust et Fall Apart. Encore une fois, le piano ne retombe jamais, ce qui reste quand même exigeant.

J'étais venu pour voir si mes intérêts de jeunesse tenaient encore la route et j'ai pris une petite claque. Pas de bouleversement, certes, mais la conformation que même sous une forme émaciée les plus talentueux arrivent à suggérer plus qu'ils ne montrent. C'est la différence entre les groupes qui font des chansons et ceux qui ont un univers.

http://www.deathinjune.net/

Matt & Kim - Sidewalks

2010-12-21T14:19:53Z

Le fond du tiroir est frais

Il faut bien dire ce qui est, cette fin d'année musicale se traine un peu. Le Top Des Blogueurs est paru, aucune incursion récente dans mon classement provisoire n'est en vue (allez, si, il en reste uneâ€¦), et il reste des albums qui m'ont plu mais pour lesquels les mots me manquent. De plus, un coup d'oreille sur quelques albums excitants mais à paraître en 2011 n'aide pas vraiment à terminer sa liste de courses, d'arriver au bout des critiques qu'on s'était assigné. Seule compensation dans le cas qui nous occupe, les nombreuses écoutes qui ont précédé la rédaction de cet article ont été gratifiantes, et écouter ce Sidewalks a été une plaisante corvée. Donc, par définition, pas vraiment une corvée, je vois que vous ne vous laissez pas dérouter par mes oxymores à deux balles.

Le moins qu'on puisse taper, c'est que le duo de Brooklyn n'a pas feignanté en chemin puisqu'il y a un an qu'on vous parlait de Grand. Ce qu'on en disait à l'époque reste applicable sur le fond, mais on ne peut pas dire qu'ils font dans la redite. On a pu parler de virage hip-hop et de fait, on en retrouve quelques amusants gimmicks comme les « Hééé » sur Block After Block mais c'est très diffus, je ne voudrais pas vous décourager ou vous donner de faux espoirs. Ce premier morceau montre quand même une patte plus propre, même si placer d'emblée un de ses meilleurs titres met la barre un peu haut. Ils retrouveront cette hauteur sur Where You're Coming From et son petit synthé qui donne son peps. C'est un groupe comme ça, qui peut servir des petits bonbons qui fondent en bouche, surtout s'ils capitalisent sur leur côté pop et frais.

Cameras semble lui aller dans un phrasé moins chanté, avec un refrain qu'on pourrait retrouver chez les Shins, la ressemblance vocale avec James Mercer (The Shins donc, Broken Bells) étant troublante. Pour le reste, entre le tempo plus lent, les cuivres et la digression à l'orgue, c'est une incursion digne hors de leur pré carré. Mais cet éloignement n'est pas toujours profitable, vu qu'il manque parfois un petit quelque chose pour rendre Good For Great plus accrocheur. De même, la voix qui peut brailler occasionnellement sans irriter semble moins à l'aise dans les ambiances plus lentes d'un Northeast

La fin de l'innocence et du fun en même temps ? Non, pas vraiment, on est loin de la remise en question métaphysique pour les deux compères (elle et lui). Si leur côté un peu insouciant et bricolé avait du charme, resserrer les boulons n'a pas amené de baisse de qualité. Espérons simplement qu'ils arriveront à mêler ces deux aspects complémentaires.

A Sunny Day In Glasgow - Autumn, Again

2010-12-16T14:09:22Z

Aquagym

Oui, j'ai déjà évoqué cette musique aquatique, c'est d'ailleurs un terme dont j'abuse quand j'entends de l'écho sur tous les sons qui passent. A sunny Day in Glasgow s'inscrit donc dans cette mouvance assez peuplée, mais on l'avait déjà remarqué il y a deux albums puisqu'on s'était déjà penchés sur Scribble Mural Comic Journal. L'album suivant n'ayant pas été écouté malgré des commentaires enthousiastes, l'évolution ne pouvait être que plus marquée.

Peiner à boucler une critique a parfois du bon. Quand on cherche la porte d'accès à un album, il se peut qu'on la trouve. Ca a été mon cas ici puisqu'il passe dans mes oreilles à intervalles très réguliers depuis un petit moment déjà . Et on peut dire que sa perception s'améliore au fil des écoutes, comme doivent le faire les disques qui comptent.

On a déjà eu l'occasion d'évoquer ces groupes à qui il manque un petit quelque chose pour vraiment marquer. A Sunny Day In Glasgow s'est sans doute posé la question et y a répondu en injectant du rythme. Ca a l'air simple dit comme ça, mais c'est ce qui rend cet Autumn, Again bien plus addictif que les exercices similaires mais moins passionnants qu'on a eu l'occasion d'entendre cette année. Citons pêle-mêle les bons mais parfois ternes [Avey Tare-1204], Julian Lynch ou High Places. On va donc plus loin que l'aspect « Au Revoir Simone est tombé dans la piscine ».

Un peu d'action intervient dès Drink Drank Drunk qui se place dans la longue histoire de la pop éthérée, avec des variantes plus franches du collier How Does Somebody Say When They Like You ?. La seule différence c'est qu'on n'est plus dans les années '90 (il faudra le dire très fort) et que les murs de guitares en émulsion ont été remplacées par des couches de son dont l'origine est désormais intraçable. Le plus étrange, c'est qu'on s'est habitués à s'attarder plus sur la perception d'un son qu'à son origine. Une condition étant évidemment une petite dose d'abandon. Violet Mary Haunts Me est à ce titre vraiment emballant, de ces morceaux qu'on n'avait pas trop remarqué de prime abord mais qui devient une vraie réussite, comme un chainon manquant entre la transe sophistiquée de Caribou et l'indolence des groupes rêveurs à la Blonde Redhead.

à‰trange agencement que celui de cet album qui présente deux faces dont l'effet est radicalement différent. Sur une même base sonore, le traitement plus musclé et enlevé change tout, et rend brillant un album qui s'engonçait dans le ventre mou d'un weird folk ambient bien fichu mais dispensable.

The Bewitched Hands - Birds and Drums

2010-12-14T13:46:34Z

French glam

Idéalement, on devrait pouvoir s'extraire de toutes les contingences à l'abord d'un album. Mais ce n'est pas souvent possible. Précisons donc d'emblée que The Bewitched Hands (ils ont laissé tomber le On The Top Of Our Heads) est une formation de Reims qui s'exprime en anglais. Ce n'est évidemment plus incongru à l'heure où un Phoenix a un succès international et où des artistes aussi emballants que Syd Matters ou Sebastien Schuller viennent faire la nique aux clichés, mais montre une volonté d'ouverture au monde qui ne devrait pas se montrer réticent. Si toutefois le monde aime la musique bien faite, ce qui reste à prouver.

Dans le grand jeu des familles, on pense de toute façon très vite à des cousins canadiens, que cette liberté s'exprime dans la langue de Florent Pagny (enfin si on veut pour Malajube ou Karkwa) ou pas (Islands). Il manque peut-être un côté plus épique ou émouvant, mais ce n'est pas la voie qu'ils ont choisie. Ils ont d'ailleurs surtout choisi de ne pas choisir un genre prédéfini. On passe donc de l'ampleur psychédélique d'Happy With You au délire glam de So Cool (c'est là qu'on pense à Malajube). Et ils enchainent le proto-punk (n'oublions pas que le glam est un de ses précurseurs) de Cold à la simplicité pop et à l'entrain seventies de Work. Outre l'immédiat single radiophonique Sea, ils peuvent faire très simple (Out Of Myself), voire pratiquer un pop presque crétine mais réjouissante (Kings Crown). C'est un des deux effets possibles (l'autre étant l'exaspération).

Pris dans son contexte de groupe français, The Bewitched Hands est une sérieuse bonne surprise. Quand on décide d'ignorer cette finalement secondaire contingence géographique, cet album est d'une folie qu'on a déjà aimé chez quelques autres formations, souvent canadiennes. Au-delà d'un single radiophonique, il y a de la substance sur ce Birds And Drums, ce qui nous donne un album au parfum seventies (ils ne sont jamais que les 236èmes cette année) traversé par une envie communicative.

Avey Tare - Down There

2010-12-11T11:54:28Z

Maintenant que « faire de l'Animal collective » est en passe de devenir une discipline olympique (en démonstration à Londres), on attend les membres du collectif New-Yorkais au tournant. Pourtant, alors qu'on prévoyait une suite au brillant Person Pitch de Panda Bear, c'est Avey Tare qui surgit.

En tant que vocaliste principal d'Animal Collective, Avey Tare donne une coloration immédiatement reconnaissable, et il faut reconnaître qu'il arrive à distiller une euphorie bienvenue dans les compositions touffues du groupe. On retrouve donc ces mélodies tordues, ces chœurs qui semblent venir de la canalisation d'à -côté, un orgue en suspension, le tout sur un ton plus léger, plus évanescent. Comme parfois pour les projets solos, on se rend compte du rôle essentiel de la personne concernée dans le groupe, mais on doit aussi constater que le groupe repose aussi sur une alchimie propre qui rend le tout supérieur à la somme de ses parties. Vous aurez au passage constaté qu'il s'agit encore d'un de ces articles où l'introduction est étendue pour ne pas plonger dans le vif du sujet. Vous avez raison, c'est révélateur.

Dommage de constater qu'Avey n'a pas tellement d'arguments pour surnager dans un genre qu'il domine avec son groupe. On y retrouve donc les mêmes intérêts et limitations des Julian lynch, A Sunny Day In Glasgow et autres High Places. On est d'autant plus subjugués par la réussite des Animal Collective, Panda Bear ou Deerhunter. Parce qu'ici l'absence de structures, de rythmiques, empêche l'attention de se fixer, et ne passionne pas non plus par les textures de son (Ghosts Of Books). Il suffit pourtant d'un peu de beat pour que ça puisse enfin décoller. Mais cet artifice n'est pas employé de façon systématique. Tant mieux pour la variété sans doute, mais pour Heather In The Hospital, Lucky 1 ou Oliver Twist, on doit passer par des morceaux d'ambient décousu ou un Cemeteries qui ne convainc pas forcément.

Le phénomène a déjà été identifié en ces colonnes ou ailleurs. Dans les musiques plus abstraites, s'éloignant du format chanson pour se concentrer sur l'ambiance pure, il faut souvent un petit plus que je n'ai pas retrouvé ici. Le talent d'Avey Tare l'empêche de tomber dans l'anodin évidemment, et l'impression de retrouver un vieux pote est réjouissante, mais venant d'un membre d'un groupe qui a façonné tout un pan de la musique indépendante on attend une prise de position plus ferme, pas un produit dérivé, aussi agréable soit-il.

Cali - La Vie est une truite arc-en-ciel qui nage dans mon coeur

2010-12-07T14:28:26Z

Pater dolorosa

Comme Bénabar découvert en même temps et qui a eu aussi à l'époque quelques articles sur ce site, j'ai sans regret laissé passer l'album précédent de Cali. Serait-ce ce titre un peu crétin qui semble sonder les limites du tweet qui m'y aurait ramené ? Impossible à dire. Toujours est-il que je l'ai écouté et que même j'ai trouvé des choses à en dire.

Aborder un album de Cali, c'est accepter certaines choses comme immuables. Il n'a peur de rien, ne semble pas calculer, et c'est une des facettes intéressantes de son personnage. Les grandes douleurs sont-elles muettes ? Ce n'est pas son opinion. L'adhésion peut donc se faire sur sa tolérance à l'excès. Parce que dans une chanson, Cali ne meurt pas, il meurt mille fois. Il ne se poignarde pas, il se poignarde jusqu'à la garde avec une lame rouillée. C'est une des règles du jeu, et poussé à bout ça peut faire sourire (Mes yeux sont des putains qui ont fait le trottoir).

On a dès le début un aspect plus â€˜rock' mais toujours tempéré par cette habitude de la chanson française de mettre la voix en avant. Il n'est pas facile d'abattre des habitudes qui se sont bà¢ties depuis des décennies. L'énergie est en tout cas là pour tenter de faire passer en force un rock sans vraiment de mélodie (La Mort N'Est Rien A Côté). Il nous gratifie aussi à l'occasion d'un guitar-héroà¯sme comme on a perdu l'habitude d'en entendre sur Je n'Attends Que La Revanche. Honnêtement, ça ne nous avait pas manqué. La Lettre au Ministre du Saccage des Familles nous prouve tout d'abord qu'il n'est pas Bob Dylan ni Conor Oberst, mais encore une fois, ce n'est pas la cause qui est discutable, mais l'inadéquation entre la métrique et la mélodie qui touche quelques morceaux. Y a-t-il un effet caché qui m'échappe ? Dans le genre il a quand même eu de sacrées réussites, où forme et fond semblaient faits l'un pour l'autre (Je Ne Vivrai Pas Sans Toi). Mais il parvient à rendre la fin d'un Madame Butterfly plus prenante.

On ne peut pas dire non plus que les références font dans la modestie. Il reste en effet encore des traces d'Arcade Fire produit blanc au détour de l'amusant Cantona. C'est sans doute un cliché, mais sur sa valeur musicale intrinsèque, on n'oserait jamais le confronter à une production anglo-saxonne de même inspiration. Cette considération n'a jamais empêché un artiste francophone de dormir convenons-en. Les autres référents seraient plutôt Léo Ferré et Brel. Le premier est frontalement évoqué au détour de Je Te Veux Maintenant et on le sent désireux de se placer dans cette filiation-là sur Nous Serons Tous Les Deux. Qui explose dans des revendications sur les sans-papiers qui doivent se demander ce qu'ils fichent là avant de se raviser. Intrigant sans doute. Hors propos aussi. Il essaie aussi de nous faire le coup de Jeff (Putain De Vie), quand l'emprunt n'est pas plus littéral. Elle a perdu l'amour, c'est beaucoup plus qu'un homme renvoie en effet au Elle a perdu des hommes/Mais là , elle perd l'amour d'Orly.

Les chansons engagées pourraient faire diversion entre deux chansons poignantes où l'amour c'est fait la malle et où il se sent vieux et fatigué mais plein d'énergie (oui, j'ai remarqué la contradiction) On pourrait risquer parallèle avec Indochine. Alors que ces quinquagénaires semblent encore (dans leurs chansons du moins) plongés dans des affres adolescents qui pour les gens ordinaires durent juste quelques mois, Cali parle d'engagement comme s'il allait à sa première manif en ayant séché l'école. Il s'inscrit donc dans cette tendance nostalgique avec Je Regarde Mes Dix-Sept Ans (je regarde jaloux vos 17 ans fleurir/Je tuerais pour tout ça) et est à l'opposé de ce qu'on a pu entendre chez Jeanne Cherhal de 5 ou 6 ans. Elle est cohérente en tous cas avec un champ lexical tourné vers la vieillesse (pour lui, 30 ans c'est vieux aussiâ€¦). Sa vision est personnelle mais est très éloignée de mon ressenti, ce qui empêche l'empathie. Je me sens parfois exalté, et apprécie alors la musique qui correspond à cet état d'esprit, mais on a l'impression que Cali est par défaut dans cette configuration, ce que du reste ses prestations scéniques survoltées et intenses semblent confirmer. C'est énergique, ça parle d'énergie et de mouvement et ça fait 22 titres dans la version longue. C'est comme ça que je comprends pourquoi cet album est fatigant.

Le fait qu'il se retrouve sur ma platine en même temps que le plus subtil Florent Marchet a sans doute joué mais cette musique est sensée galvaniser. Si ce n'est pas le cas, c'est un échec modéré. Cali m'est toujours sympathique, et cet album a été perçu avec une oreille bienveillante, mais un excès d'excès peut mener à une certaine lassitude. Son envie est intacte, c'est certain. La mienne, beaucoup moins. La cotation ne reflète que mon plaisir d'écoute (ou son absence), et un post-it pour me rappeler de passer l'album prochain.

Shannon Wright - Secret Blood

2010-12-06T19:25:35Z

La douleur n'est qu'une information

On l'a connue rêche, intraitable, héritière d'une PJ Harvey qui ne lui léguait qu'à¢preté et sécheresse, cousine de violence de toutes les Scout Niblett de la terre. On l'a vue en connivence avec Yann Tiersen, troquant ses médiators ensanglantés contre le souffle d'un accordéon - rance, l'accordéon. On l'a aimée bulle d'air, prodige de la voltige sur des disques en apesanteur, décidés à laisser entrer la lumière dans ses soirs ombrageux. Aujourd'hui Shannon Wright sort un de ces albums comme on en raffole, comme on s'en affole ; ni vrai retour aux sources, ni dénégation d'un proche passé déroutant, c'est une œuvre qui synthétise la complexité d'une carrière et sait faire honneur à sa richesse.

Tout commence par la chevauchée bancale d'un Palomino fantomatique, clopin-clopant comme une Lisa Germano putride ouvrant la route des enfers. On sent, on sait : c'est l'au revoir flegmatique mais tétanisé à la lumière, l'entrée inquiète au cœur des flammes. Entre un piano pesant et une giclée de guitares contondantes, on est aveuglé par ces Violent Colors. Alors on se repère à la voix de Shannon, presque rassurante au milieu des odeurs de charogne, mais bientôt les émanations sulfureuses forment un épais nuage de peur qui l'éloignent de nous, la rendent presque imperceptible quand la rage sourde de Fractured nous lacère.

Plus de lumière, mais la pénombre : Dim Reader, première bénédiction dans cet itinéraire de maudit, rend enfin l'air respirable. Mais l'espérance, cet ultime cadeau empoisonné offert malgré elle par Pandore, est la plus vicieuse des tortures. On se méfie encore, même en reprenant son souffle On the Riverside, constatant que la désolation des paysages est loin de les priver de beauté. Reprendre sa course folle. Il le faut, parce que tant de profondeur nous captive, nous attire plus loin encore. Comme si l'on se frayait un chemin dans une jungle de plantes brà »lantes, on traverse le territoire terrible de Commoners Saint. Tête baissée et à toute berzingue. La douleur n'est qu'une information : avancer, avancer encore.

Et si Shannon Wright avait un masterplan ? Si toute cette furie n'était qu'un défi lancé à notre amour ? Arrivé à mi-parcours on découvre, éberlué, un havre engoncé au centre de la terre, un Eden peuplé de zombies évadés cherchant à échapper à leurs supplices, un lieu secret où coule une rivière de sang miséricordieux. Merciful Secret Blood of a Noble Man, apaisé comme un blues lugubre d'Eleni Mandell, n'est que le premier tableau de cette intimité retrouvée, le plan d'ensemble. La suite creusera encore le sillon d'une tranquillité gracile, d'un sommeil tourmenté par des visions d'horreur et qui, pourtant, renonce à se faire agité ; comme quand les derniers instants d'In the Needle rappellent à notre souvenir l'Electro-Shock Blues de Eels. C'est un peu le repos du guerrier qui, Under the Luminaries ou à la clarté d'un Satellites, soigne ses plaies en revivant les images traumatisantes de son récent séjour au feu.

Ce passage de la férocité à la quiétude, de la fougue à la délicatesse, constitue la plus brillante des mises en abyme. C'est tout son parcours musical que Shannon Wright résume dans cette demi-heure de beauté brute, neuvième vie d'une chatte griffue qui garde le souvenir tenace des errances passées. Si chacune de ses incarnations nous l'a rendue plus belle, c'est parce que des liens têtus se sont peu à peu tissés entre nous, qu'à chaque fois il nous a semblé la reconnaître de façon plus familière, plus familiale. Comme un lien de parenté caché, un sang que nous partagerions en secret.