Esprits Critiques

The/Das - Freezer

2017-11-29T07:46:28Z

Des brouillons en friche, des critiques inachevées, il y en a des dizaines. Elles sont purement et simplement vouées à l'oubli après un temps. Mais certains albums résistent si bien à l'épreuve du temps qu'ils restent là . Il faut le dire, suivre l'actualité musicale à la culotte (de moins en moins il est vrai) impose ce genre de scorie. Il a donc fallu que The/Das sorte un nouvel album pour que je boucle un article sur ce qui aurait dà » figurer dans ma liste d'albums préférés de 2014 si j'avais été sur la balle. Parce que c'est un peu plus tard que je suis tombé sur ce clip (il est en-dessous), trouvé ça fantastique et puis adoré l'album dont il est question aujourd'hui.

Allier une finesse d'écriture et des arrangements électroniques peut donner une infinité de résultats. Le premier nom qui vient en tête est Loney, Dear qui avait décidé de mettre le curseur sur une mélancolie bien moins uniforme ici. Parce que l'électronique est plus intimement liée à la matière musicale dès le groove cotonneux de My Made Up Spook. Une bonne partie de leur maitrise réside dans le choix des sons, assez influences par l'insurpassable école minimale allemande. On n'est pas dans la dance de foire (Stromae, c'est toi que je regardeâ€¦) donc, et ça participe grandement du plaisir d'écoute.

Lequel peut prendre des allures diverses. Sur le bien joli Parallel Worlds, quelques notes éparses tapissent une pulsation franche. Ce n'est que le début, assez implacable, intense au final, avec une dose d'euphorie mélancolique sur fond de pulsation. Puis ils peuvent forcer l'allure sur (Under) Miami Waters, qui après un départ placide repart bien franchement. Le long Freezer est aussi assez délectable, plus lancinant et libéré à la fois, et qui se permet une relance en bonne et due forme. Ils varient les plaisirs, augmentant à l'occasion la dose de beat (This Place) ou de synthés (Operator of chance). On pense à leurs compatriotes de Moderat ou Apparat tout seul. Du haut niveau quoi.

D'une manière générale, on se passe fort bien de voix sur ce genre de musique mais ici elle est fort bien intégrée. La voix féminine sur Receiver est tous cas remplie de spleen. Et puis il y a ce Somebody Is qui était notre point d'entrée, notre ticket aller sans retour. Grand moment de mélancolie servie par un beau clip qui sourd un spleen tenace. On n'est pas près d'oublier cette fin en decrescendo

Mêler l'euphorie de la dance et une écriture plus mélancolique peut mener à un bien beau mélange. La voix est toujours bien en place, assez expressive et pas trop passe-partout. Ces morceaux sont articulés et écrits comme des morceaux pop, et la voix n'est pas juste un renfort rassurant pour ceux qui ont peur de l'instrumental. A l'inverse, on n'a pas juste plaqué des arrangements électroniques à des morceaux qui n'en demandaient pas tant. Fond et forme consubstantiels donc, un des grands albums de 2014 qui forcément supporte l'épreuve du temps.

Freezer by The/Das

Séance de Rattrapage #28

2015-02-01T17:46:51Z

The Blank Agains - EP

Connaitre un artiste ne permet sans doute pas de faire des critiques bien objectives (même si on sait que ça n'existe pas) mais aide à comprendre un contexte. Et on peut dire sans trop s'avancer que ce nouveau projet de Yann Lu fait la musique qu'il aimerait entendre. Cet aveu est clair dès l'énoncé du nom du groupe.

Evidemment, si vous savez déjà c'est une allusion à un album de Ride, ce premier EP aura d'autant plus de chances de vous plaire. Notons d'ailleurs que même sur des albums aussi marquants que Nowhere, le chant de Ride constituait clairement le maillon faible alors que ce n'est clairement pas le cas ici.

On s'éloigne donc encore un peu plus de la pop toute propre d'Austin Lace (dont il était un des fondateurs) pour prolonger l'aventure de The Album, autre projet qui lui avait permis de remporter le Pure Demo de Purefm. D'ailleurs on retrouve la basse curesque de Go Ahead Cry dans une version différente, plus ronde et enlevée.

C'est toujours au détour d'une certaine idée de l'indie des années '80 et 90 qu'on trouvera la source de ces morceaux qui ont le bon goà »t de jouer la variété, entre le pop-rock placide de Light In Yer Head au plus rêveur Adoration. Pop rêveuse donc, mais qui s'émancipe des références trop évidentes. Pas de brouillards de guitare ici, mais une relecture d'un vieux (forcément) Roxy Music (Love Is The Drug).

Mais mon moment préféré est gardé pour la fin, celle du poignant Us, The Others. Languide et énervé à la fois, il réussit la fusion de deux envies. A l'heure actuelle, toutes les tendances, tous les styles cohabitent et progressent dans leur coin. A l'instar d'autres formations comme Midnight Faces ou Little Black Dress, The Blank Agains suit ses envies d'années passées sans dégager de passéisme ni d'immobilisme. Le seul risque étant de révéler sa propre personnalité. Chiche ?

http://theblankagains.bandcamp.com/

The Imaginary Suitcase - The Shape Of Things Forsaken

Et oui, Laurent Leemans est déjà de retour et gagne donc le prix de l'artiste en activité le plus productif avec les félicitations du jury pour cette quatrième sortie en un peu plus d'un an et demi. De son propre aveu, il s'agit d'un EP constitué de morceaux issus des sessions du précédent Driftwood, de nouveaux titres et de quelques reprises. Le tout en parallèle avec la tournée des 20 ans de son autre groupe, Ceilà Moss.

Intermède d'accord, mais de bonne tenue puisqu'il est dans la lignée de son album précédent qui nous avait plu. On retrouve donc cette simplicité et cette limpidité sur Grey Pilgrim, double morceau qui arrête avant de recommencer. Aurait-il tenté d'inventer le morceau caché de début d'album ?

Simplicité mais pas nudité puisque ces morceaux s'habillent d'un rien. The Frozen Sea bénéficie donc d'un apport de cloches et ce genre d'ampleur acoustique fait le lien entre la tenue hiératique d'un Current 93 avec le souffle d'Echo and The Bunnymen. Je m'emballe ou quoi ? C'est un harmonica qui tient ce rôle sur Wish You Were Here.

Il se profile aussi comme un spécialiste de la reprise, avec des goà »ts fort sà »rs. On se plait à retrouver le Mud Stories d'Ann Pierlé ou un Leonard Cohen qui semble une évidence pour sa voix profonde qui reste comme toujours le point d'accroche de ces morceaux.

Un jour, pour m'amuser, je ferai une compilation de mes morceaux préférés de The Imaginary Suitcase glanés au fil de ses quatre dernières publications et je vous assure que ça aura de la gueule. En attendant, Laurent Leemans poursuit son rythme de sortie assez soutenu pour partager avec nous presqu'en temps direct son évolution.

http://theimaginarysuitcase.bandcamp.com/album/the-shape-of-things-forsaken

Micah P. Hinson and the Gospel of Progress

C'est souvent le premier album qu'on connait d'un artiste qui nous semble le meilleur. Il y a des exceptions, certes, mais il reste toujours quelque chose de l'excitation des débuts. Pourtant, il n'a pas fallu longtemps pour que je réalise à quel point ce premier album de Micah P Hinson sorti initialement en 2004 et réédité par Talitres se révèle meilleur que Micah P. Hinson and The Nothing découvert il y a quelques mois. D'une manière, la fuite en avant nous empêche de revenir sur des albums précédents et ce n'est donc pas toujours une bonne chose.

Sans doute parce que la connivence est déjà établie, on ne retrouve plus du tout la frappante ressemblance avec Bob Dylan, même sur le poignant Pa tience. Il faut aimer les chanteurs qui s'égosillent comme si leur vie en dépendait évidemment mais j'échange volontiers un peu de justesse pour cette intensité supérieure

Ce sont aussi les détails qui sont magnifiques. Sur Beneath the Rose, cette guitare est impeccablement placée, tout comme ce violoncelle qui relance le déjà très beau I Still Remember. Il est en tous cas rare d'avoir un album où tout d'emblée sonne juste et à sa place, dès le limpide Close Your Eyes jusqu'au déferlement de Don't You. Pour la petite histoire, mon moment préféré est sans doute le très ample et abouti The Day Texas Sank To The Bottom Of The Sea.

Finalement moins orthodoxe que sa dernière livraison, cette séance de rattrapage s'impose pour tous ceux qui comme moi n'ont découvert Micah Hinson que sur le tard et encore plus à ceux qui ne connaissent pas du tout. Cet artiste qui peut se révéler tour à tout viscéral et ample est en tous cas un incontournable de notre époque.

Benjamin Schoos - Beau Futur

2014-12-31T16:07:00Z

Un jour Clap Your Hands Say Yeahse rendra compte que le nom ne colle plus du tout à la musique. C'est sans doute une prise de conscience du genre qui a poussé Benjamin Schoos à ne plus publier sous le nom de Miam Monster Miam, et on le comprend.

Il semble d'ailleurs compliqué pour nous d'écouter ces albums avec une oreille neuve, en faisant abstraction de ses albums de jeunesse ou de ses hilarantes parodies de DJ Cinquante Centimes mais ce n'est absolument pas perturbant. Au contraire, ce second degré affiché lui permet d'aborder des albums ambitieux comme celui-ci avec tout le sérieux nécessaire, sans devoir recourir à une ironie de façade.

On l'a déjà dit, c'est surtout le contexte, le vécu et les affinités qui le distinguent d'un Benjamin Biolay. Parce que les éléments rapprochant ces artistes sont nombreux. On sent cette science du son et de l'arrangement fouillé pour faire de Visiter la Lune un grand morceau, puissant et direct et il peut aussi compter sur un carnet d'adresse de première bourre.

On sait qu'il a autour de lui une bande fidèle de gens talentueux. Et pouvoir compter sur Jaques Duvall est un atout non négligeable. D'ailleurs, on ne sait pas toujours qui écrit quoi entre Duvall, Schoos ou Doriand mais il y a une continuité, une cohérence. Continuité également avec le retour de Laetitia Sadier qui tente avec Une Dernière Danse de refaire le coup de l'irrésistible Je Ne Vois Que Vous (et ça marche presque), tout comme J'ai Essayé De T'aimer (et ça marche moins) avec April March. Dans Les Bras De La Nuit est déclamé par Alain Chamfort soi-même et la reprise d'un morceau pas génial à la base de Timbuk3 est joliment assurée par Stef Kamil Carlens (Zita Swoon). Citons aussi La Féline et Michel Moers (Telex) et on aura presque fait le tour.

C'est bien beau d'inviter des amis mais il faut aussi assurer le fond. Et on sait dès la belle pochette qu'on est dans une veine nostalgique. Le rétro-futurisme étant une des plus sà »res façons de flanquer le bourdon. On retrouve donc de courtes fantaisies avec synthés vintage mêlées de violon. On sait que dans un passé récent Get Well Soon ou Florent Marchet ont pratiqué le genre, avec des résultats parfois anxiogènes.

L'émotion, elle, peut naitre du piano du Cascadeur, histoire prosaà¯que et absurde qui n'est pas sans rappeler le précédent China Man vs China Girl. Il y a donc une unité mais pas mal de variations, entre les grands morceaux (Visiter la Lune) et les fantaisies sur les mots (Villa Borghini) abordées avec sérieux. Disons-le aussi, la ligne rouge est franchie pour moi (mais sans doute pas pour tout le monde) sur Le Beau Futur, le kitsch Granite et le crevant La Vuelta Del Doctor Amor. Mais bon, c'est une question de dosage, de perception personnelle.

Mine de rien, sans déclaration tonitruante, Benjamin Schoos monte en puissance. Avec un joli casting, un goà »t de la chose bien faite et quelques morceaux puissants, il vient en tous cas de sortir un bien bel album

She & Him - Classics

2014-12-29T15:56:00Z

On ne pourra jamais reprocher à Zooey Deschanel et M.Ward d'être des girouettes en matière d'influences. Ils n'ont jamais fait de mystère de leur admiration pour une forme surannée de pop et leurs albums semblent toujours sortir d'un vieux vinyle. Cette fois-ci, plutôt que composer des morceaux qui sont des hommages, ils ont carrément empilé une série de reprises. Ce n'est pas la première fois, ils en avaient déjà semé discrètement au long de leurs trois albums. Alors, en cette période, c'est aussi inutile de de saison qu'un album de Noël (exercice qu'ils ont déjà pratiqué du reste) et le résultat semblera sans doute encore plus déplacé une fois l'été arrivé. A moins que comme moi vous ayez oublié cet album d'ici-là .

Tous ces morceaux sont des classiques. Aux oreilles américaines du moins. Parce que je dois bien avouer qu'une bonne moitié de ce qui est présenté ici ne m'évoquait rien (ça ne sert à rien de stigmatiser ma méconnaissance, hein, je suis au courantâ€¦). Donc, pour un auditorat moins familier, c'est forcément plus compliqué.

On aurait aimé que leurs talents s'incarnent dans une musique plus moderne. La carrière de M.Ward en tant qu'artiste solo ou la filmographie de Zooey Deschanel sont en effet assez modernes, ou en tout cas moins empreint d'un passéisme sépia. C'est d'autant plus dommage que la voix de Zooey n'a jamais semblé aussi juste, forte et chaude qu'ici. La dernière note de Stars Fell On Alabama est simplement soufflante.

Oui, c'est extrêmement bien fait, et d'une finition impeccable (joli Time After Time). Ils peuvent passer de la douceur extrême de It's Not For Me To Say à un tempo plus enlevé avec des millions de couches (Stay Awhile). Ils ne reculent devant rien, même pas reprendre Unchained Melody dans une version plutôt dépouillée ou s'attaquer au She d'Aznavour. Ils terminent par We'll Meet Again (énorme classique) et on a envie de répondre « C'est pas sà »r ».

Encore une fois, cette absence de note ne révèle que mon inintérêt pour un genre musical suranné et très peu diffusé chez nous. La muzak vintage de luxe n'étant en effet pas ma tasse d'eggnog. Il faut reconnaitre que ceci est impeccablement exécuté et il faut accepter que des gens qu'on aime beaucoup font des choses qui nous sont exactement indifférentes.

Girls In Hawaii - Hello Strange

2014-12-25T15:52:00Z

On ne pourra pas reprocher aux Girls In Hawaii de retourner méditer après la sortie de leur album. Une copieuse tournée, un EP et puis ce live et puis une tournée dans la foulée. Ils voudraient s'empêcher de composer de nouveaux morceaux qu'ils ne s'y prendraient pas autrement. Pourtant, il semble impossible de les taxer de cynisme tant leur engagement semble sincère.

Du dernier EP composé de bons morceaux mais moins dans le ton de leur toujours recommandé Everestils reprennent d'ailleurs deux titres ici (Where Do Your Tears Come From et The Creek qui est un des bons moments de cet album). N'attendez donc pas un exercice Best-Of ou une facile transposition acoustique. Ces morceaux ont en effet été revus en profondeur. Ils remplacent même à l'occasion un gimmick par un autre et force est de constater que ça marche sur Rorschach. S'ils ne semblent pas avoir une facilité énorme à composer beaucoup de tous nouveaux morceaux, on sent leur envie de musique, leur goà »t de lancer des idées musicales.

Mais tout n'est pas dénaturé. Les hauts faits du dernier album gardent leur majesté et il est toujours plaisant de retrouver Mallory's Heights et Switzerland. Par contre, il semble moins utile de reprendre The Spring, morceau très dénudé qui peut servir d'échauffement à l'album et tombe ici comme une douche froide. Misses par contre garde toute sa pertinence. On ne retrouve d'ailleurs pas de Chemistry. Sans doute qu'il semblait compliqué de le transposer alors que c'est sa fièvre électrique (enfin, toutes proportions gardées) qui en fait le sel. Je confirme d'ailleurs que je préfère toujours de loin les chansons du dernier album à toutes celles qui ont précédé.

Disons-le franchement, le live n'a pas toujours été leur domaine de prédilection, vocalement du moins. Sur un album studio ou sous la pluie fine de Dour, c'est très bien. Une fois consigné sur un live, ça pardonne moins évidemment.

Un album live est un prolongement souvent un peu inutile et redondant par essence. Celui-ci ne développe pas des qualités cachés du dernier album tant il était abouti mais tente une relecture et cet ça fonctionne. On est en tout cas loin d'artistes hors d'idées tentant de valoriser une énième fois un backcatalogue. Alors les amis, on se met à un nouvel album, maintenant ?

BRNS - Patine

2014-12-23T15:46:00Z

D'où nous vient cette paranoà¯a qui nous éloigne des trop bonnes réputations ? Dans la capitale belge, le nom de BRNS (dites brènz si vous hésitez) semble depuis de longs mois faire l'unanimité pourtant il a fallu attendre que le premier album soit sorti depuis un petit temps pour que je me penche sur leurs cas. C'est surtout leurs prestations scéniques (déjà plus de 200 concerts au compteur) qui leur ont conféré cette flatteuse renommée et c'est généralement bon signe. Inutile de le cacher, la curiosité et l'attente étaient là . Pas la peine de tergiverser non plus, ce fut au départ une petite déception.

C'est aussi un effet pervers de l'attente. Non seulement on espère entendre du bon, mais on a une idée fausse de ce qu'on pourrait entendre. Et les premières écoutes vont dans ce sens. Un peu de Foals, certes, mais sans la ferveur. Parce que c'est cette relative lenteur qui déconcerte. Très frustrante de prime abord, elle se révèle au final culottée. Il suffisait en effet de pousser le tempo pour que tout coule tout seul.

Le risque aurait sans doute été de perdre en subtilité et ça aurait été dommage. Après un premier morceau qui sonne comme un faux départ en combustion lente, Slow Heart entame les choses sérieuses avec son art rock anguleux. On attend donc une déflagration, un choc, un dérapage, que quelque chose vienne secouer quoi. My Head Is Into You est sans doute ce qui se rapproche le plus de cette résolution (et un devient un des meilleurs morceaux de l'album). Les voix aussi font penser au groupe d'Oxford, avec leur façon de trousser des mélodies par entrelacs.

Autre écho lointain, celui de Menomenaquand les circonvolutions se font plus marquées (Inner Hell), plus hantés (Omen) ou en constante évolution (Behind The Walls). Encore une fois, il faut savoir à qui s'adresse cet album. Si vous vous endormez en serrant contre votre cœur un album de 23knots, il est probable que cet album vous semble bien sage. Que tout vous semble bien sage en faitâ€¦ Many chances va plutôt voir du côté de Panda Bear, mais sans le soleil dont leurs compatriotes de Leaf Housesont capables.

BRNS est un groupe qui se frotte donc à des références très enlevées du gotha indie actuel. Il est sans doute aussi un bel exemple d'une série de groupes belges désirant s'affranchir du passé local un peu encombrant (quinze ans de groupes sonnant comme dEUS) et tracer leur propre voie, quitte à s'aliéner un public trop avide de facilité qui pense que ce qui est top chez nous, c'est Suarez, Saule ou Stromae (non hein, c'est pas çaâ€¦). Ces énormes pointures dont on parle se contentant souvent de petites salles chez nous, c'est un choix qu'on salue.

C'est un bon album ceci dit, une fois qu'on n'y cherche plus ce qu'on pensait trouver, à savoir une transe qui est ici présente mais tapie dans l'ombre. Il est donc bon à sa propre façon et on doit aussi garder à l'esprit que si on entend chez nous parler de ce groupe depuis longtemps, ceci est un premier album qui déploie une belle série de promesses. On a connu trop de formations là¢chant tout d'emblée pour ne pas se réjouir d'un album qui semble surtout là pour affirmer un style et jeter des bases pour le futur.

Stars - No One Is Lost

2014-12-20T15:41:00Z

La fièvre du soir sous la couette

Difficile au final de cerner complétement Stars. Intenses et personnels sans vraiment être flamboyants, ils semblent évoluer maintenant vers le dancefloor. Ou plutôt, ses abords, pour ceux qui restent assis et tentent des chorégraphies de tête et de battement de pied. A ceux-là , From The Night offrira une belle opportunité.

Le premier morceau est d'emblée plus discoà¯de et la pochette un peu flash mais il ne faut pas pour autant se laisser distraire. C'est peut-être à un samedi soir qu'ils nous convient, mais la fièvre est sans doute moins celle qui fait transpirer sur la piste de danse que celle qui nous maintient sous la couette avec un grog.

Parce que les moments les plus convaincants ne sont pas nécessairement ceux qui sont le plus remuants. Il faut parfois choisir son camp. No One Is Lost est une chanson dance un peu pas top mais qu'ils pensent transcender d'un â€˜Put your hands up/cause everybody dies'. Un peu trop propre sur soi pour vraiment être dansant.

Turn It Up envoyé en éclaireur était donc le meilleur morceau de cet album. C'est là qu'ils déploient leur spleen assez irrésistible, leur ouate sonore bien dense. Et quand ils sont plus directs, on les préfère dans un registre de rock propre comme le bien envoyé This Is The Last Time ou Are You OK ? qui pourrait provenir de leurs amis de Metric. Ils ont aussi gardé quelques jolis moment comme la fin de What Is It To Be Done ? où ils chantent à deux pour notre plaisir. D'ailleurs, c'est la première fois que je fais le rapprochement entre les voix d'Amy Millan et Nina Persson. C'est pourtant très marquant sur No Better Place.

Finalement, c'est un album plutôt classique en leur chef, avec quelques morceaux au groove discret qui ne sont toujours pas ce que je préfère et une intimité confortable qu'on apprécie toujours autant. Chez eux, la flamboyance n'est que de surface et on les soupçonne de forcer leur nature pour la montrer.

Get Well Soon - Lufthansa Heist/Henry/Greatest Hits

2014-12-18T15:37:00Z

Trois EP à la place d'un album, l'idée peut sembler un peu incongrue, voire même un peu frustrante de la part d'un groupe qu'on apprécie autant. Mais on sait depuis le début que Get Well Soon est l'objet des envies et la démonstration du talent de Konstantin Gropper et bon, c'est lui qui décide quoi. Ces trois courts disques fonctionnent tous séparément, mais je doute fort que le public visé soit différent.

Procédons donc par ordre chronologique de sortie puisqu'elles se sont étalées les trois premiers vendredis du mois de novembre.

Le premier album de Get Well Soon était un chef-d'œuvre, profond et intemporel, pas l'affirmation d'un rush d'hormones. Il était déjà tellement rempli de choses tellement subtiles qui allaient chercher l'inspiration dans tellement de sources qu'on a même du mal à concevoir un avant, une phase de rock de collège. Pourtant Gropper semble avoir cette nostalgie et avoue avoir pris beaucoup de plaisir à concocter un The Lufthansa Heist plus brut de décoffrage.

Donc quand il nous parle de college rock, il ne faut pas le prendre complétement littéralement. Certes, ces chansons sont articulées autour de la guitare mais ce n'en sont pas des morceaux punk pour autant. On se rappelle d'une prestation live bien musclée quand ils n'avaient plus de violoniste, place vacante comblée depuis avec talent par Verena Gropper.

Le résultat est en tout cas plutôt frais et il se dégage une belle tension de The Pope Washed My Feet In Prison qui joue d'un gimmick de guitare plutôt lancinant. The 4-3 Days est une autre belle réussite. Même si le morceau est court, la fin d'A Night At The Rififi Bar prend trop ses aises pour être une décharge d'énergie juvénile.

Henry est l'opposé, la forme la plus subtile et éthérée de Get Well Soon. Et, disons-le tout de suite, sans doute trop éthérée et subtile pour laisser un souvenir impérissable. Il s'agit d'une suite de 5 morceaux inspirés de Death and me, the two of us d'Arnold Stadler qui semble d'un romantisme sombre et amusant à la fois (c'est lui qui le dit). L'hommage est donc baigné d'une douce mélancolie qui utilise de vieux sons. On ne s'étonnerait pas d'entendre le craquement d'un vinyle.

N'attendez pas de Greatest Hits une compilation de succès commerciaux de Get Well Soon. Et même pas une collection de chansons ayant toutes été des hits. C'est un troisième versant du groupe qui est visité ici, à savoir la reprise culottée abordée avec un sérieux de pape.

Tout commence de façon inattendue par un instrumental repris d'une antique musique de film. Et ça marche évidemment. Et puis on prend la tangente avec le morceau qui était en éclaireur, Careless Whisper de Wham. Pas de saxo, rassurez-vous, mais ce qui est à la place est vraiment d'une grosse intensité (peut-être le meilleur moment des trois EP d'ailleurs). Pour reprendre ce genre de scie, il faut le faire avec application et on se rend compte qu'au final c'est un grand morceau. Si si.

On sait depuis l'étonnante relecture du Born Slippy d'Underworld sur le premier album qu'ils prennent un malin plaisir à se réapproprier des morceaux. L'impression d'entendre un vieux morceau de Get Well Soon est encore plus prégnante quand on ne connait pas le morceau original (Oh My Love). On savait depuis quelques concerts qu'Elton John était un artiste apprécié. Ce n'est pas Tiny Dancermais Rocket Man (dommage) qui s'y colle ici. Till I Die est un vieux des Beach Boys qu'ils arrivent à faire grincer. Finalement, c'est sur Always the Sun des Stranglers (période assagie) qu'ils semblent le moins personnels, même si cette version se révèle plus puissante que l'original.

Il faut être complètement honnête. Gropper ne fera jamais de mauvais morceau, et il prouve ici la versatilité de son talent. Mais on réalise assez vite que ces trois EP ne constituent que quelques nécessaires récréations. Il avait trois envies distinctes et les a exécutées avec le sérieux qui le caractérise, pour un résultat sans fausse note. On attend maintenant un album qui puisse faire la synthèse de ces influences et envies sans doute pas si antagonistes que ça.

John Grant with The BBC Philarmonic Orchestra - Live In Concert

2014-12-09T15:26:00Z

Dans la presqu'inépuisable longue liste des fausses bonnes idées figure en bonne place l'album symphonique. Il suffit que le répertoire ne s'y prête pas ou que l'adaptation se révèle ampoulée (voire les deux pour le risible exercice de Metallica) et hop, on a un album hyper glycémique. Fort heureusement, les albums de John Grant ont déjà une grandiloquence qui n'ont pas dà » lui faire hésiter longtemps à l'invitation de BBC6.

Son album précédent comportant plusieurs titres à couleur électronique, il a logiquement fallu trouver une parade et ils ont bien fait ça. Ceci dit, ils ont gardé tels quels ces sons sur Pale Green Ghosts ou You Don't Have To. Il faut dire qu'il y a une spécialiste à la manœuvre en la personne de Fiona Brice qui a des références que ne renieraient pas Owen Pallett lui-même (Patrick Wolf, Midlake, Kate Nash, Anna Calviâ€¦) et a fait partie des tellement sous-estimés Jack. Ils n'ont d'ailleurs pas hésité à démarrer Pale Green Ghosts par du Rachmaninov, parce qu'il n'y a pas de raison qu'ils se privent de ce petit plaisir.

Sur un album à l'orchestration aussi riche, on retrouve de façon encore plus marquée cette limite souvent floue entre ce qui peut être déchirant et le too much. Cette disparité peut se retrouver au sein du même morceau sur Where The Dreams Go To Die. Le début est en tout cas parfait de sobriété et puis on bascule d'un coup vers une amplitude que d'aucuns pourront trouver crevante. Mais elle est aussi nécessaire pour rendre aussi forte la fin de Glacier.

Mais ce n'est rien de nouveau. Pour compenser, il reste un parolier occasionnellement caustique maniant la fulgurance comme Do you remember when we fucked all night on ?/Neither do I because I always passed out (You Don't Have To) ou I want to change the world/But I could not even change my underwear (Queen of Denmark). Et on retrouve avec un plaisir immense Marz dont les paroles ne sont qu'une récitation du menu du magasin de bonbons de son enfance à Buchanan, Michigan. Et oui, ça fonctionne toujours. Comme il n'a que deux albums solo, on connait souvent bien tous ces morceaux.

Sur GMF, sa voix peine à passer au-dessus de cette puissance de feu mais c'est une question de mixage temporaire, sa voix reste exceptionnelle et est visiblement peu retravaillée à postériori. Il ne la là¢che qu'une seule fois sur le final Queen of Denmark

Si vous n'avez jamais entendu parler de John Grant, voici une bien belle occasion de le découvrir. Ces versions sont plus amples sans être ampoulées et peuvent aussi servir de complément au formidable premier album où le groupe qui l'accompagnait n'était rien de moins que Midlake. Les amis de nos amis restent nos amis.

Musée Mécanique - From Shores of Sleep

2014-12-06T21:14:45Z

Il y a les paysages annoncés comme beaux à couper le souffle. On fait le détour pour y arriver en voiture, mais bien souvent, outre un cliché ressemblant à tant d'autres, on n'en ramènera que le souvenir d'un parking et la sensation que si on est content de partager la beauté, elle s'effrite légèrement dans la masse.

Mais il y a aussi des recoins qu'on atteint à pied, sur recommandation de locaux, et dont on peut profiter avec l'être aimé (c'est mieux comme ça) en toute intimité. Si on élargit la métaphore tarte-à -la-crème à la musique, on dira qu'on est content de voir que des groupes comme Arcade Fire ou The National touchent les foules, mais on aime aussi chérir dans de petites salles ceux qui nous restent tellement précieux. Shearwater, Moonface, la liste pourrait être longue et si on ne comprend pas toujours pourquoi ils sont si mésestimés, on se console en multipliant les découvertes.

C'est d'ailleurs en allant voir un groupe qui devrait être énorme (Get Well Soon) qu'on avait découvert Musée Mécanique. C'est Konstantin Gropper qui se fend du texte de présentation de cet album pour le site allemand du label.

Musée Mécanique, c'est de la pop de chambre dans son expression la plus pure. Les étiquettes ne sont qu'une invention de critique ou d'attaché de presse mais parfois aussi, elles ont valeur d'archétype. La musique de ce groupe est donc luxuriante mais en sous-texte, les voix sont jolies mais ne poussent jamais. En gros, il vous faudra tender l'oreille. L'écouter en sourdine est agréable mais ce n'est pas une musique pour supermarché sensée fonctionner à tous les volumes

Et une fois qu'on se penche de façon plus intéressée à cet album, on découvre de très belles choses, en commençant par le léger et enlevé O, Astoria ! On se dit vite que si c'était plus éthéré et aérien, on entendrait du Grizzly Bear. Le côté pastoral en plus, ce serait du Fleet Foxes. A Wish We spoke est gentiment hanté, tout doux et montre un beau son qui monte. Il serait aussi dommage de passer à côté des moments les plus forts. The Lighthouse and The Hourglass sort de sa coquille. Les amateurs de Girls In Hawaii auront aussi intérêt à se frotter à la formation américaine (le fort joli The Open Sea). Ceci est moins spectaculaire mais plus subtil et bien plus constant.

L'intensité feutrée de Cast In The Brine commence comme tout le reste de façon discrète. Et puis il y a ce petit arpège, le support de nappes lancinantes, la voix triste et pénétrée, c'est une symphonie de poche, un de ces morceaux qui entrent dans votre cerveau par l'oreille et une fois que vous vous en rendez compte, il est trop tard, vous êtes déjà terrassé.

Je ne vous le cacherai pas, il m'a fallu un minimum d'abnégation pour entrer dans cet album. Mais au contraire de trop d'albums vraiment placides, il y a tellement à découvrir quand on tend l'oreille que je ne peux que recommander à tous les amateurs de belles choses feutrées ce groupe issu comme tant d'autres du tellement fertile vivier de Portland, Oregon.