Esprits Critiques

Anna von Hausswolff - The Miraculous

2015-12-31T13:16:19Z

Il y a des noms qui semblent prédestinés, faciles à retenir et qui semblent contenir leur genre. Ca fait longtemps qu'on me parle d'Anna von Hausswolff et je pensais que la Suédoise était un genre de prêtresse gothique. Il a fallu une balade sur la toujours épatante section des sessions de KEXP pour que je découvre ce qu'il en était et tout de suite apprécier cet univers fort.

Parce qu'elle dégage assez vite une présence intense. Dans le genre, on avait déjà beaucoup aimé Chelsea Wolfe et on peut penser que les publics potentiels sont identiques. Discovery plante en tous cas majestueusement le décor de ce troisième album et cet instrumental place les bases de cette musique rock pesante et élégante à la fois.

Parce qu'il y a beaucoup de choses ici, des sons et progressions qui flirtent parfois avec le post-rock (En Ensam Vandrare), voire avec l'ambient pour un The Miraculous qui se révèle un piège à l'attention. Il y a aussi ce son d'orgue, enregistré dans une église. Et puis il y a la voix d'Anna, avec un ton qu'on pourrait rapprocher d'une Lykke Li. La touche suédoise ? Elle se distingue en tous cas de tous ces groupes avec diva. Ceci dit, elle peut aussi toucher la classe hiératique d'une Lisa Gerrard sur Come Wander With Me/Delivrance, où on monte avec elle au milieu du morceau, quand la voix se là¢che. C'est donc spectaculaire, ample et suffisamment varié pour qu'un morceau de dix minutes puisse fasciner. C'est évidemment la pièce maitresse de cet album.

Pour le reste, elle peut aussi faire chuinter artificiellement sa voix pour faire décoller The Hope Only of Empty Men du sol. On le voit, plein de manières de faire sonner cette musique qui a des côtés gothiques mais pas que. Et dans le genre, il faut du talent pour ne pas tomber dans le gimmick ou le poncif. Vous aurez compris que ce n'est pas le cas ici.

Fufanu - Few More Days To Go

2015-12-27T17:25:10Z

Dans les bonnes façons de découvrir un artiste, les premières parties tiennent clairement la corde. C'est toujours une bonne façon de faire connaissance, sans apriori ni œillères, imprégné d'une musique qu'on découvre. L'ouverture du concert de John Grant était ainsi assez percutante, et m'avait poussé à acheter leur album à la sortie de la salle.

L'impression est telle que l'album semble un peu sage de prime abord. L'abattage du chanteur fait en effet partie du plaisir en live et n'est pas aussi marquant une fois consigné sur cd. Mais ce n'est que partie remise, le charme est ici un peu différent et finit par émerger assez clairement pour ne plus repartir.

Le premier morceau est celui qui entame leur set, avec une basse qui m'a rappelé Fields of The Nephilim. Ca monte déjà et les références cold sont présentes aussi. Tout en ne se plaçant pas dans le sillage direct de la vague â€˜froide', ils en empruntent plus l'état d'esprit que les gimmicks et puis pour un groupe ayant débuté sur la scène techno, ils ne tombent pas dans la facilité synthpop. Pourtant il reste des traces de sons électroniques puisque cette formation est issue d'un duo de techno expérimentale appelé Captain Fufanu. Mais d'une manière générale, c'est le fantôme de Bauhausqui plane ici, ce qui nous convient tout-à -fait, et apparaît comme plus authentique, sombre et prenant que ce que nous ont livré récemment des formations comme Editors ou Interpol.

Il y a donc de l'intensité et du nerf In The Light of The Night et Circus Life se densifie aussi à condition de s'y immerger puis ils transforment l'essai sur Ballerina in the Rain. Cet album progresse donc et ne présente ses meilleurs morceaux qu'après un déploiement de l'ambiance. Et puis ils restent pertinents quand ils se font placides (Plastic People) ou plus sombre (Your Collection).

Donc s'il ne se dévoile pas toujours facilement, cet album s'apprivoise pour le meilleur puisqu'il distille une intensité sombre qui privilégie l'authenticité à l'emballage. Ce groupe islandais pourra plaire aux fans de post-punk fiévreux.

The Lighthouse and the Whaler - Mont Royal

2015-12-24T08:31:42Z

On découvre plus de bonnes choses sur KEXP en un quart d'heure par mois qu'en écoutant Purefm toute l'année. C'est en se basant sur cette constatation que je me balade parfois sur le site de la meilleure radio musicale du monde entier. Vous l'aurez compris, c'est comme ça que j'ai découvert The Lighthouse and The Whaler, formation de Cleveland, Ohio qu'il est plutôt compliqué de trouver chez nous.

Mais avec un peu d'astuce, il est possible de mettre la main sur leur dernier album Mont Royal. Cette référence montréalaise vient de l'endroit d'enregistrement et on se dit quelques fois pendant l'écoute que ce pourrait aussi être l'origine du groupe. Il y a dix ans, il ne fait pas de doute qu'on aurait parlé d'Arcade Fire dès le premier paragraphe. Mais du temps a passé, les suiveurs du groupe maintenant globalisé nous permettent de raffiner l'analyse.

En effet, après un premier morceau engageant et bien rond, le tout bon I Want To Feel Alive nous indique ce qu'aurait pu devenir Band of Horses s'il avait répondu à l'attente. Le son est plus froid et puissant peut-être, mais reste bien plus sympathique que, disons, Of Monsters and Men. Dernière référence avant de vous libérer, on pense aussi à la science du climax du premier My Latest Novel, avec la même envie de faire frissonner les violons en fin de Glory. Ce violon vient aussi réchauffer de ses entrelacs un morceau comme We Aren't Who We Tought We Were.

Au-delà de ces ressemblances bien organiques, il y a aussi quelques sons de synthé plus compliqués à défendre sur Closer et ce n'est pas l'apport de groove sur Senses qui nous déridera. C'est l'autre penchant du groupe, qui pour le coup pourra plaire à ceux qui ont apprécié les revirements de Fanfarlo ou Foals (In The Open) quand ces derniers font dans l'atmosphère compacte. Under montre qu'ils ne cherchent pas l'émotion à tout prix, mais peuvent prendre de l'intensité comme ça, juste pour le sport.

On le voit, il y a pléthore de ressemblances proches ou éloignées pour cette formation qui peut aussi se reposer sur l'exceptionnelle voix de son chanteur. Il semble aussi qu'ils maitrisent fort bien l'exercice du live, ce que montre la vidéo prise par KEXP et présentée ci-dessous. On comprend d'autant moins le manque de diffusion de ce groupe forcément attachant et forcément immédiatement familier. On n'a jamais trop d'amis de toute façon.

http://thelighthouseandthewhaler.com/music/

Will Samson - Ground Luminosity

2015-12-22T09:20:53Z

Dessiner des paysages sonores est un vaste programme, débouchant souvent sur une musique atmosphérique, lente et un peu abstraite. Ne le cachons pas, c'est souvent le cas sur ce premier album de l'Anglais Will Samson mais il y a bien d'autres choses encore. On avait envie de vous en parler parce c'est le toujours excitant label Talitres qui est aux commandes et puis un rapide coup d'œil au pédigrée du garçon nous confirme qu'il a déjà tourné avec des artistes qui nous sont chers comme Shearwater, Marissa Nadler, Timber Timbre ou Do Make Say Think.

Donc, vous ne prendrez pas trop de temps pour vous familiariser avec cet artiste qui présente deux aspects de son œuvre. C'est dans l'élaboration de plages ambient, seul ou en collaboration avec Heimer qu'il s'était distingué et on retrouve logiquement cette veine ici aussi. Il peut donc étaler de longues plages de cordes (Suspended In) ou plus courtes et abstraites (Ground Luminosity).

Mais si on vous en parle, c'est parce qu'il y a aussi autre chose ici. La guitare sur le premier morceau Tumble vient déjà nous rappeler que c'est sur ce label, Talitres, qu'est hébergé le magnifique Will Stratton. Mais tout est plus léger et moins poignant ici. Cette légèreté traverse d'ailleurs tout cet album, et on la retrouve aussi dans les discrètes percussions synthétiques, signe qui ne trompe pas d'un homme seul à la manœuvre, tout comme The Callstore, autre découverte énorme du label.

Cette boite à rythme légère est appuyée par du violon sur le libéré Sunbeamer pt.1 et puis il y a sa voix aussi, qui se place dans la lignée de Bon Iver (Pyrton Bells). On est à ce niveau de délicatesse, mais en moins acoustique que le premier album de Justin Vernon. Elle baigne cet album, jusqu'au bout du l'arpège lumineux de Flow, The Moon. Il y a de la langueur, du vrai spleen cotonneux comme on l'aime avec une slide guitar bien planquée dans le fond et il n'y a guère que When I Was A Mountain pour proposer une petite montée en suspension.

Vous aurez compris que cet album de Will Samson est délicat, très subtil, très léger. A vous de voir si vous avez envie de cette douceur presque évanescente.

Mogwai - Central Belters

2015-12-17T08:47:48Z

Une compilation de Mogwai, pourquoi faire ? C'est une question légitime mais à laquelle il n'est pas trop compliqué de répondre. Parce que plus qu'une compilation vite fait pour ceux qui découvrent le nom et veulent mettre une musique dessus (il y a des pelles de listes en streaming pour ça en 2015), Central Belters propose une large vue d'ensemble. Et comme à chaque fois, il y a des a-priori qui peuvent se discuter. Ce qui est indiscutable par contre, c'est qu'en 20 ans et 8 albums studio, la place de Mogwai dans le paysage a toujours été importante. Et au vu de leurs bonnes ventes récentes, on ne peut même pas dire qu'ils sont devenus des dinosaures adulés d'une minorité de quadragénaires.

Central Belters (allusion à leur origine écossaise) n'est pas exactement un best-of parce qu'il manque quelques pièces essentielles comme Like Herod, climax de leurs souvent explosives prestations scéniques. Ils ont choisi de presque classer cette riche (3 CD) compilation par ordre chronologique. Presque parce que si les 2 premiers albums regroupent des époques, ce n'est pas le strict ordonnancement des sorties qui prévaut. Il est encore moins respecté sur le troisième volet présentant quelques extraits d'EP et autres raretés ayant son ordonnancement.

Parmi les choix qui interpellent, il y a la surreprésentation des morceaux chantés. Tour d'abord parce qu'ils représentent une faible portion de leur discographie et mettent à mal le mythe d'un post-rock purement instrumental. Ensuite parce que ce sont rarement les passages les plus marquants. Ajouter une voix noyée comme sur Hunted by a Freak qui préfigure beaucoup ce qu'on entendra plus tard chez eux, ne présenter qu'un embryon de mélodie planqué dans le mix (Take Me Somewhere Nice), quasi inaudible (Mexican Grand Prix) et presque fausse (Devil Rides) n'ajoute que peu et contraste avec leur impeccable science du son. De plus, celui qui m'est apparu comme le plus abouti dans le genre (Blues Hour) n'apparait pas ici. Sans doute que leur salut dans le genre viendrait d'un apport extérieur, piste très peu explorée même si on signale la présence de Roky Erikson (des vétérans psyché 13th Floor Elevator) sur Devil Rides.

Si on ne leur attribue pas souvent la paternité du post-rock (allez voir pour ça du côté de The Slint), il est indéniable qu'ils ont largement contribué à le populariser et le faire évoluer. Enfin, eux ont su le faire, et cette vue d'ensemble en révèle la surprenante cohérence, remarquablement imperméable aux modes. Surtout qu'avec le recul, on peut déceler très tôt les pistes qui seront approfondies plus tard. Des morceaux comme Christmas Steps ou Summer montrent déjà un son bien épais et quelques bienvenues variations. C'est sans doute avec Mr Beast que le revirement vers des morceaux plus compacts a été le plus visible. Ceci dit, il y a peu de morceaux démesurément longs ici et les structures basées sur les ruptures franches, tellement génératrices d'adrénaline en concert, ne sont presque jamais privilégiées. Les clichés ont la vie dure même s'ils ne résistent que peu à l'observation des faits.

Un des intérêts des compilations est évidement de retrouver une liste de morceaux marquants qui démontrent leur force d'impact et de percussion. Vous aurez donc droit à Mogwai Fears Satan et autres Auto Rock ou Rano Pano, ainsi que quelques morceaux qui montrent toute leur science du titre (I'm Jim Morrisson, I'm Dead). On sait aussi qu'ils se sont frottés avec bonheur à l'exercice de la musique de film et des extraits de Half Time (reportage sur Zinedine Zidane) et de l'épatante BO des Revenants, même si le premier extrait est moins emblématique.

Fort logiquement aussi, le troisième CD apparaîtra moins indispensable au profane, car plus inégal à cause d'extraits moins fascinants (Hugh Dallas). Mais placé en toute fin, le long et lancinant My Father My King (basé sur un chant hébreu traditionnel) vaut le déplacement. Oui, ça s'arrête même complétement avant de repartir, comme le veut le genre et c'est ce morceau qui clôture souvent leurs prestations qui termine aussi ce box de bien forte manière

Partant du principe que les fans hardcore ont déjà tout ce matériel sous la main à quelques exceptions près et que la sélection est forcément discutable, il y a pourtant un intérêt à ce Central Belters. Donc, si vous vous êtes toujours demandé par quel bout aborder la discographie d'un groupe majeur d'un genre qui s'étiole (rassurez-vous, ils ne chantent en fait que très peu sur les albums), cette solide sélection est pour vous. Seconde étape pour découvrir le groupe, investir dans des bouchons et se rendre à un concert, leur milieu d'expression naturel où ils restent souverains.

Noiserv - Almost Visible Orchestra

2015-12-11T16:53:12Z

Non, ce ne sont pas les Portugais qui sont les plus nombreux sur ce site mais vous le savez, les découvertes sont toujours bienvenues ici. Cet album qui est sorti en 2013 n'arrive que maintenant chez nous, il a donc eu le temps de se créer une réputation flatteuse dans son pays d'origine. Mais l'origine n'est qu'anecdotique dans le cas qui nous occupe puisque cet album sait se rendre immédiatement familier. Il chante pourtant en Anglais, sauf sur la dernière plage Palco Do Tempo qui avec son intensité devient mon morceau préféré en Portugais (d'accord, c'est peut-être le seul que je connaisseâ€¦).

David Santos est donc un ancien ingénieur informaticien qui concocte seul cette musique qui pourrait tout aussi bien provenir de Portland, Oregon, la patrie de groupes comme Musée Mécanique. Donc cet Almost Visible Orchestra présente des symphonies de poche, avec de grandes mélodies à chaque fois et une voix attachante et pas plaintive. Moins mélancolique qu'un Sébastien Schuller, il emprunte aussi la voie lancinante.

C'est dans ces eaux-là qu'on ira chercher les références. Si c'est votre truc (c'est plutôt le mien), foncez sans vous retourner. Il revendique une influence de Yann Tiersen et on peut en effet la déceler parce que la musicalité est très poussée ici aussi, que les cloches et autres accordéons (ou sons proches mais toujours discrets) font partie de l'arsenal. On retrouve un son moins organique et quelques voix un peu étrangement bidouillées (le plutôt poignant I'm Not Afraid Of What I Can't Do), qui est souvent le signe d'un artiste seul aux commandes (The Callstore, ce genre) qui visiblement apparaît seul sur scène.

Et en effet, il ne lui faut pas grand-chose pour nous faire fondre avec quelques notes de piano sur It's Easy To Be A Marathoner Even If You Are A Carpenter. Oui, les titres sont souvent kilométriques, ce qui n'est pas l'idée du siècle pour ceux qui écrivent des articles et ne sont pas payés au signe mais on lui pardonne volontiers parce que ce n'est pas l'essentiel, on préférera se concentrer sur la très belle mélancolie de It's Useless To Think About Something Bad Without Something Good To Compare avec sa guitare qui vient apporter sa dose de spleen. Le rythme ne s'affaisse jamais, c'est le spleen de la ritournelle, de la fanfare qui s'éteint, pas celle de la nudité. Il y a même un titre qui est Mr Carousel.

Même si le style est uniforme et bien balisé, on cherche les morceaux qui sont tout de même au-dessus des autres. Sad Story Of A Little Town est sans doute de ceux-là , ou alors Don't Say Hi If You Don't Have Time For A Nice Goodbye qui propose plus de rythme. Ce morceau reçoit d'ailleurs l'aide de Cascadeur. C'est sans doute fort bienvenu pour susciter l'intérêt mais on doit aussi être honnête et dire que cet album-ci est plus abouti que ce que fait le Français casqué.

Voilà , Noiserv est un talent surgi de Lusitanie pour notre plus grand plaisir, pour compléter notre panoplie de singer-songwriters sensibles, mélancoliques et pas neurasthéniques. A vous de jouer.

https://noiserv.bandcamp.com/album/almost-visible-orchestra-a-v-o-12-vinyl-2014
http://www.noiserv.net/

Séance de rattrapage #37

2015-12-02T16:58:22Z

Emily Kinney - This Is War

Des actrices qui chantent, ce n'est pas exactement une nouveauté. Il faut cependant avouer qu'on préfère quand ce sont des Américaines qui s'y collent. Pensons à Zooey Deschanel ou Aleksa Palladino (Exitmusic). Si le nom d'Emily Kinney ne vous dit rien, peut-être que le personnage de Beth dans The Walking Dead vous inspire plus. Quoiqu'il en soit, ce que vous entendrez ici n'évoquera pas le sang qui gicle et les zombies.

Parce que ce que Emily préfère la vraie pop. Et elle le fait avec un bel entrain comme sur le plus relevé This Is War proposé ci-dessous, qui reçoit une bon renfort de roulement de batterie. Pour le reste, il y a aussi beaucoup de douceur (Weapons) , même si elle peut employer une petite guitare électrique pour parler d'une copine un rien saute-au-paf (Molly). Dans le genre, c'est moins passéiste que Deschanel puisque non seulement le son n'est pas daté mais les histoires sont plus ancrées dans notre quotidien, avec quelques accents chouettement libérés (Berkeley's Breathing, Mess).

Avant de vous lancer sur cette petite pause sucrée, sachez ce que vous abordez et n'y allez pas si vous rechignez devant des groupes comme les Cardigans (la voix y fait penser parfois quand elle n'est pas trop fragile). Si ça ne vous rebute pas, cette fort digne sucrerie est tout à fait charmante.

http://emilykinneymusic.com/

Hein Cooper - Hein Cooper

Le premier et le dernier morceau, voilà ce qu'on pourra retenir de ce premier EP de l'Australien Hein Cooper. Pas nécessairement parce ce sont les meilleurs, mais parce que ces deux versions du même The Art of Escape permettent de voir tout le spectre que le jeune Australien peut balayer l'espace d'un premier EP de cinq titres.

La première est une version purement acoustique, avec juste un arpège de guitare et une voix plutôt expressive. Le second est un remix signé Tora et ne se présente pas comme une adjonction de rythmique mais une vraie relecture à tendance dubstep (on pense souvent à James Blake). L'exercice est d'autant moins gratuit qu'il correspond aussi à l'esprit des autres morceaux qui

The Real prend ainsi un peu de hauteur. Eyelids reste acoustique mais avec de l'ampleur. Une voie médiane dont il se sort très bien. Sans que je ne puisse vraiment dire pourquoi, j'ai l'intuition qu'on va entendre reparler de cet artiste, parce qu'il apporte un peu de sobriété à une variété internationale qui en manque parfois. Produit par Marcus Paquin (qui a produit ce The National, ce Stars et ce Little Scream), cet EP pas sirupeux supporte bien les hautes rotations et suscite l'attente.

http://www.heincooper.com/

Rhinos Are People Too - EP

Non, Zeal Records n'héberge pas que de la musique qui s'apprécie avec une bonne tisane. Voix rêveuses, grosses guitare, Rhinos Are People Too n'a certainement pas inventé un nouveau style tout neuf. Mais personne ne le fait, en vrai. Alors, la question c'est « dans les limites de ce genre, est-ce que c'est bien ? ». Coupons court à ce suspense et disons tout de suite que le premier EP de ce quintette limbourgeois révélé par De Nieuwe Lichting de Studio Brussel est bien prometteur.

On connait donc tous les passages obligés du genre shoegaze/dream pop comme le chant mélodique mais planqué loin dans le mixage et des guitares en brouillard. La valeur ajoutée, ce sont des guitares qui tranchent et une montée de son (Abaddon), une batterie qui claque (Youth). Ils peuvent aussi jouer la rupture (Darkest Blue) ou la remontée plus placide (Youth).

On le voit, c'est dans l'exécution et la verve que ce jeune groupe flamand marque des points. Pour que la puissance s'exprime, il faut un son impeccable et ils l'ont. Cette très belle promesse qui montre une belle palette en quatre morceaux. S'ils tiennent sur 10, on tient un album remarquable.

http://noisetrade.com/rhinosarepeopletoo/ep
http://www.rhinosarepeopletoo.be/

Deerhunter - Fading Frontier

2015-11-27T08:54:57Z

Un des artistes les plus déroutants et complets de ces dernières années, Bradford Cox, nous a bien habitués à nous semer en route pour mieux nous séduire. Deerhunter, c'est son œuvre, Atlas Sounds aussi, et on a pris l'habitude de suivre ses sorties pour sentir ce que l'époque avait à nous offrir. C'est dans une certaine froideur métronomique mà¢tinée de lumière qu'on l'avait découvertet il y a eu bien des soubresauts jusqu'à ce Monomaniaqui sentait un peu l'huile de moteur, parce qu'il avait envie de ça à l'époque. Deux ans et un grave accident de voiture plus tard, voici un cinquième album pour le moins clivant.

Parce pour une fois, Cox n'a pas réussi à emballer tous ceux qui suivent cet artiste à large spectre. Et il faut dire que j'ai longtemps oscillé entre déception et admiration pour finalement décider de ne pas choisir (ce que du reste personne ne me demande). Il était déjà manifeste depuis Monomania qu'il fallait suivre tous les albums de Cox pour ne pas décrocher trop violemment. Le mur du son des concerts a en tous cas volé en éclats sous les coups de boutoirs d'oreillers. Parce qu'il a décidé de casser le son en douceur.

Alors qu'on avait déjà eu de sa part des albums ambivalents, alternant deux envies, coupant la tension palpables par des instrumentaux abstraits, il ne se départit ici presque jamais de son parti-pris ouateux et aquatique. Si le premier morceau présente quelques poussées, si Living My Life présente un groove cotonneux en son milieu, cette manière éthérée peut générer le sourire (Ad Astra) ou de l'ennui en bonne et due forme (Leather and Wood). Finalement, le morceau le plus convaincant reste Snakeskin et son groove étrange qui prend un relief particulier dans le contexte de ce court album.

Alors, estompement de la frontière comme le veut le titre de cet album pas si déroutant que ça ? Toujours impressionnant dans le traitement du son, il présente titres qu'on sauvera pour montrer la diversité de Deerhunter. La grosse différence avec les albums précédents, c'est que l'attention peut chuter dramatiquement lors des écoutes. Mais bon, si ce n'est pas un album marquant en soi, on peut le considérer comme une étape moins passionnante d'une discographie qui se pose quand même comme une des plus intéressantes de notre époque.

Isbells - Billy

2015-11-23T13:36:33Z

Marble Sounds et Isbells sont deux groupes proches et éloignés à la fois. Signés tous deux chez les indispensables Zeal Records de Leuven, ils partagent aussi une bonne partie de leur line-up. Pourtant, ils ont toujours su se différencier, pour proposer deux interprétations de la délicatesse. Donc, avant de découvrir le prochain album de Marble Sounds prévu pour le mois de janvier, penchons-nous sur cette sortie d'Isbells.

Le premier album avait été une bonne surprise, qui leur avait valu quelques comparaisons méritées avec Bon Iver. Le second avait confirmé ces belles dispositions (émaillées de passages dans des séries américaines célèbres et autres publicités) et ils poursuivent logiquement dans cette voie. Est-ce pour se différencier du groupe cousin qu'ils poussent encore leur côté délicat plus loin ? Difficile à dire, mais il n'en reste pas moins que cette discrétion du groupe de Gaëtan Vandewoude et Chantal Acda confine à l'évanescence parfois.

Un peu après le déjà très doux Billy, Calling et sa voix vocodée ne présente que des notes de piano éparses, des nappes très discrètes. Il n'y a aussi que très peu de guitare pour Nothing Goes Away qui s'en contente fort bien. Mais ce n'est pas pour autant qu'ils ont renoncé à quelques passages plus sentis. Avec un peu de slide guitar, Hand On My Chest nous offre une densification en direct alors que le morceau semblait englué dans la même torpeur que le reste de l'album. Falling For You est aussi un peu plus enlevé. Et quand The Sound Of A Broken Man pousse encore plus loin la lenteur puis tente la remontée électrique, il nous livre un grand moment lumineux

En poussant encore plus loin l'intimité, Isbells produit un album presque abstrait, confinant à l'ambient parfois. Pas étonnant qu'ils partagent l'affiche avec leur compagnon de label Illuminine, pour des soirées qu'on devine très intimes. Autant le dire, la lenteur occasionnelle est un peu trop poussée pour moi mais fort heureusement, leurs poussées relancent souvent l'intérêt, montrant qu'il suffit de très peu de choses pour qu'ils deviennent vraiment touchants.

http://www.isbells.be/

Utro - Solzne

2015-11-20T13:35:46Z

Il y a des albums comme ça, qui nous font revenir en arrière. Avec Utro, je ne suis plus sur un site sur lequel j'écris depuis 12 ans. Non, nous sommes en 1993 et je publie dans un fanzine photocopié à 23 exemplaires. Evidemment, c'est trop personnel, mais j'ai retrouvé la fascination que m'inspirait Và¡gtà¡zà³ Halottkémek, groupe culte maintenant oublié mais qui a fait les belles heures de l'undergroud des nineties. Bref, m'a fait replonger bien en arrière, quand sévissaient des groupes comme Les Halmas aussi. Désolé pour ces références opaques, mais c'est ce que ma mémoire me propose de plus proche

Je dois avouer que je n'ai qu'une connaissance superficielle de Motorama. Mais j'en sais suffisamment pour dire que ce n'est pas trop éloigné de ceci. De plus, les deux formations sont représentées par les toujours excellents Talitres. La différence la plus patente étant l'usage de la langue anglaise et la voix plus planquée dans le mix. L'effet est donc bien plus cold, plus mécanique. De plus, si la composition du groupe est presque identique, l'emploi de la langue russe constitue la principale différence.

C'est un fait qui déroute souvent les anglophones. Ils ne se rendent pas trop compte que si leur musique a conquis le monde, peu de monde au final ne prête trop d'attention à ce dont parlent leur chansons. L'obstacle de la langue n'en est jamais vraiment un en musique et si Alina Orlova s'exprime mieux en Lituanien, c'est comme ça qu'on a envie de l'entendre. Et puis le Russe colle bien à l'atmosphère de ces morceaux.

Utro nous propose donc un post-punk mécanique à la mode russe, où l'humanité de la voix (qui beugle même parfois au détour de Pitka) vient réchauffer un ensemble assez cold, utilisant quelques recettes éprouvées comme le flange sur la basse, ce qu'on entendait chez le désormais classique Faith de The Cure.

Parfois même, on croit entendre une version slave et pleine de basse de Wire(Otrava). Comme Motorama, le groupe joue beaucoup sur la répétition pour susciter une transe mécanique. Heureusement, cet album est suffisamment court pour que ça ne mène jamais à la lassitude.

J'imagine qu'il y a un public potentiel plus large que le quasi quadra ayant voulu fuir l'eurodance et le grunge il y a un quart de siècle. J'ose espérer que cette musique tient toute seule, libre de références. Si l'expérience d'un post-punk dans la langue de Tchekhov vous tente, voici une occasion à ne pas manquer.

http://www.talitres.com/fr/artistes/utro-utro.html